Saturday, 21 December 2013

PIERRE SCHAEFFER / PIERRE HENRY ‎– SYMPHONIE POUR UN HOMME SEUL (1950)



Pierre Henri Marie Schaeffer (14 de agosto de 1910–19 de agosto de 1995) fue un compositor francés. Está considerado el creador de la música concreta. Es autor del libro titulado Tratado de los objetos musicales, en donde expone toda su teoría sobre este tipo de música. Compuso distintas obras todas ellas basadas en la técnica de la música concreta. De entre ellas cabe destacar su Estudio para locomotoras.

Schaeffer nació en Nancy. Sus padres eran ambos ingenieros, y al principio pareció que Pierre tomaría también esto como carrera. Estudió en la École Polytechnique y después de un periodo como ingeniero de telecomunicaciones en Estrasburgo desde 1934, encontró un trabajo en 1936 en la Office de Radiodiffusion Télévision Française (ORTF) en París. Fue allí donde empezó a experimentar con sonidos grabados, convenciendo a los directivos de la emisora que le dejaran usar su equipo. Intentó tocar los sonidos al revés, ralentizándolos, acelerándolos y yuxtaponiéndolos con otros sonidos, técnicas todas ellas que por entonces eran virtualmente desconocidas. Su primera obra acabada como resultado de estos experimentos fue el Étude aux chemins de fer (1948) que fue hecho con grabaciones de trenes.



Para entonces, Schaeffer había fundado el grupo Jeune France, con intereses en el teatro y las artes visuales así como en la música. En 1942, co-fundó el Studio d’Essai (más tarde conocido como el Club d’Essai), que tuvo un papel en las actividades de la resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial, y se convirtió en un centro de actividad musical más tarde.

En 1949, Schaeffer conoció a Pierre Henry, y los dos fundaron el Groupe de Recherche de Musique Concrète (GRMC) que recibió un reconocimiento oficial por parte de la ORTF en 1951. Le dieron un nuevo estudio, que incluía un magnetofón. Esto fue un desarrollo significativo para Schaeffer, que previamente había tenido que trabajar con platos giratorios para producir su música. Schaeffer está generalmente considerado como el primer compositor que hizo música usando cinta magnética. Su continua experimentación le llevó a publicar A la recherche d’une musique concrète (En busca de una música concreta) en 1952, que era un resumen de sus métodos de trabajo hasta ese momento.

Schaeffer dejó el GRMC en 1953, pero lo reformó en 1958 con Luc Ferrari y François-Bernard Mâche como el Groupe de Recherches Musicales (GRM). Probablemente el alumno más famoso de GRM fue el músico de sintetizador Jean Michel Jarre, aunque Shaeffer más tarde comentó que las famosas obras posteriores de Jarre no le gustaban.

Con la fundación del Service de Recherche de l’ORTF en 1960, del que fue nombrado director, Schaeffer comenzó a disminuir sus actividades de compositor a favor de la investigación del sonido y la enseñanza. Una de sus últimas piezas se produjo en 1959, los Etudes aux Objets. En su nuevo cargo, continuó investigando las propiedades sónicas de los proyectos, publicando un importante trabajo sobre el tema, Traité des objets musicaux, en 1966. En él, intenta clasificar todos los objetos sonoros (objets sonores, sonidos percibidos como entidades; NO debe confundirse con objetos físicos que producen sonido) produciendo mediante la división de sus características en siete categorías.



Schaeffer desempeñó una serie de puestos como maestro, incluyendo una cátedra asociada en el Conservatorio de París desde 1968 donde enseñó composición electrónica. Hacia el final de su vida, padeció la enfermedad de Alzheimer. Murió en Aix-en-Provence.

Musique Concrète:

El término música concreta (en francés, musique concrète) a menudo no se comprende bien, entendiéndose como referente a simplemente hacer música con sonidos del «mundo real», o con sonidos distintos a los que hacen los instrumentos musicales. Más bien, es un intento más amplio de permitir nuevos caminos de expresión musical. Tradicionalmente, la música clásica (o seria, o perdurable) comienza como una abstracción, una notación musical sobre un papel u otro medio, que entonces se hace una música audible. La música concreta lucha por empezar por los sonidos «concretos», experimentar con ellos, y abstraerlos para incluirlos en una composición musical.



La importancia de la obra de Schaeffer con la música concreta para la creación contemporánea, es triple:

Desarrolló el concepto de incluir cualquier sonido dentro del vocabulario musical. Al principio se concentró en trabajar con sonidos distintos a los producidos por instrumentos musicales. Más tarde, encontró que era posible quitar la familiaridad de los sonidos de los instrumentos musicales.

Fue de los primeros en manipular el sonido grabado de manera que pudiera usarse en unión con otros sonidos para hacer una pieza musical. Así puede pensarse que en él como un precursor de las prácticas de sampler contemporáneas.

Más aún, enfatizó la importancia de jugar (usando sus palabras, jeu) en la creación musical. La idea de Schaeffer de jeu viene del verbo francés jouer, que tiene un doble significado, como el verbo inglés play; jugar y también tocar un instrumento musical. Esta noción se encuentra en el corazón del concepto de musique concrète.



En 1950 compuso, junto a su amigo Pierre Henry su "Symphonie pour un homme seul", que os ofrezco en este post.

Disfrutadlo.


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Saturday, 7 September 2013

POPULAR ELECTRONICS - EARLY DUTCH ELECTRONIC MUSIC FROM PHILIPS RESEARCH LABORATORIES 1956-1963 - (CAJA DE 4 CD'S) (BASTA MUSIC 2004)




También en homenaje al recientemente fallecido KID BALTAN, repongo este material.

En 2004, el sello holandés Basta Music editaba esta sensacional caja que contiene cuatro compactos, 7 libretos plagados de textos y fotos de la época, y otros extras. Todo ello para dar a conocer las obras y las investigaciones sonoras de los holandeses Tom Dissevelt, Henk Badings y Dick Raaijmakers, éste último firmando con el seudónimo Kid Baltan. Todos ellos trabajaban para el laboratorio NatLab, propiedad de la marca holandesa Philips y destinado a la experimentación con fuentes sonoras electrónicas. 

Es resumen: toda una clase magistral de historia de la música electrónica y un documento imprescindible para los amantes del medio musical electrónico.

Tracklist AQUÍ.





LINKS MEDIAFIRE:

CD1
CD2
CD3
CD4


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VARIOUS ‎– INSTITUTE OF SONOLOGY: EARLY ELECTRONIC MUSIC 1959-1969



En homenaje al recientemente fallecido KID BALTAN, repongo este material:

Seguimos con nuestras clases de historia del medio musical electrónico, esta vez con una serie de grabaciones realizadas en el INSTITUTE OF SONOLOGY de Utrecht, Holanda.

Este disco contiene obras concebidas y grabadas entre 1959 y 1969, es decir, en aquellos años en los que nombrar las palabras "música electrónica" no llevaban a confusiones ni a tener que pensar en miles de derivados y subderivados, ni por supuesto en grotescos personajes pinchadiscos endiosados por gigantescas masas anencefálicas repletas de sustancias alucinógenas. Aquello era electrónica en estado puro y supuso el punto de partida de una infinidad de cosas que ocurrirían décadas más tarde y que por culpa del repugnante funcionamiento de nuestra civilización, han caído en un indebido ostracismo.

Los artistas que aquí encontramos no tenían límites de ningún tipo en lo que hacían, porque simplemente no habían reglas a seguir. Ellos fueron los pioneros de la ciencia, la música, y la experimentación por el puro placer de hacerlo. Son figuras esenciales para entender la historia del medio musical electrónico, a pesar de que en aquellos años estaban considerados unos locos y de que en nuestros días nadie se acuerde de ellos.

Aquí hay un enlace a Youtube donde se puede escuchar la primera pista:
http://www.youtube.com/watch?v=Hp2mFKzJJSg

     Dick Raaijmakers


TRACKLIST:

1 Dick Raaijmakers – Piano-Forte 4:57
2 Frits Weiland* – Studie In Lagen En Impulsen 4:50
3 Ton Bruynel* – Reflexen 4:34
4 Konrad Boehmer – Aspekt 15:13
5 Gottfried Michael Koenig – Funktion Orange 17:30
6 Rainer Riehn – Chants De Maldoror 26:26


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Thursday, 15 August 2013

JUAN MANUEL CIDRÓN - GNOSTIC LABERYNTUS (EXTRARRADIO 2010)



El martes 6 de agosto, mi amigo A. L. Guillén y un servidor nos reunimos con Juan Manuel Cidrón para tomar unas tapas en un bar de la capital almeriense. Hacía mucho tiempo que no me veía con el genial personaje y tuvimos la oportunidad de charlar un buen rato, degustar unos riñones al Jerez y unas tapas de jamón y nos intercambiamos nuestras obras respectivas. Cidrón me hizo entrega de este Cd que os presento, grabado entre 2010 y 2011 en Almería y me dio permiso para colgarlo en estos, vuestros blogs para compartirlo con todos vosotros.

Se trata de una pieza de 63 minutos que a mi me han sabido a poco, porque me ha parecido una obra maestra. Es un disco oscuro, meditativo e introspectivo. En sus propias palabras, "Es un homenaje al misterio, a lo que no conocemos de nuestro universo interior y exterior y el vínculo que puede existir entre ellos", explica Cidrón. "El concepto de este disco lo tenía en mente desde hace unos cuatro años, pero el desarrollo y su estructura me ha llevado dos años", subraya. 

No voy a dar más detalles de este álbum, prefiero que lo escuchéis como se merece y que saquéis vuestras conclusiones.

Para terminar, darle a Juanma Cidrón mi más sincero agradecimiento por dejarme compartir este disco en exclusiva con todos vosotros.

Saludos.




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Friday, 21 June 2013

VARIOUS: FUTURPIANO (ANTHEIL - LOURIE - ORNSTEIN)



Nueva clase de historia del Medio Musical Electrónico, aunque en esta ocasión la electrónica brilla por su ausencia, pero es un material lo suficientemente importante e imprescindible para conocer los orígenes de lo que en aquellos años se llamaba "Música Futurista" y de lo que ocurrió en los años sucesivos.

Este compacto reúne tres compositores influyentes de la vanguardia asociada con el movimiento futurista. Se trata de música de piano compuesta entre 1913 y 1933. Arthur-Vincent Lourie, el primer músico futurista ruso firmante del manifiesto de St Peterburgo en 1914, participa con música dodecafónica inspirada por el cubismo. También está el ucraniano LEO ORNSTEIN realizó su primer recital de “Futuristic Music” en Londres en 1914. Finalmente encontramos al americano George Antheil con Mechanisms (1923) y una serie de Preludios compuestos en 1933 e inspirados por una novela gráfica del surrealista Max Ernst (La Femme 100 têtes). Esta selección está interpretada por el notable pianista italiano Daniele Lombardi. Se incluye libreto con textos e imágenes de archivo que debidamente he escaneado.

Disfrutadlo.

PD.: Por cierto, ¿Os suena el diseño de la portada? ;)







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Tuesday, 11 June 2013

FUSIOON: MINORISA (1975)



Para comentaros este disco, le he pedido al maestro Juan Bermudez que escribiera un texto explicativo, porque nadie mejor que él para ilustrarnos sobre MINORISA, este gran álbum del grupo FUSIOON:

Tercer LP del grupo manresano FUSIOON publicado en 1975. Instrumentalmente, Fusioon fue lo más parecido a Emerson Lake & Palmer que hemos tenido en España. MINORISA (nombre medieval de la población de Manresa) es, probablemente, el más irregular de los tres que publicaron, aunque muchos opinan lo contrario.

Tras años de tocar pachanga durante el verano en una discoteca de Ibiza a fín de poder seguir con el proyecto Fusioon durante el invierno, sus miembros decidieron seguir carreras por separado. Aún contando con un nutrido grupo de fans incondicionales, las actuaciones en directo del grupo no bastaron para sostener económicamente la idea.

MINORISA fue un fin de ciclo de este grupo de instrumentistas brillantes que, ante la obligación de satisfacer el contrato firmado con Ariola, se metieron en los estudios Kirios sin suficiente material como para llenar un LP.

La Suite Minorisa, es una buena muestra del virtuosimo instrumental de sus integrantes, aunque para entender lo de las procesiones, las cadenas arrastradas por el suelo, y las melodías locales, hay que estar versado en el folkcrore antiguo de la ciudad de Manresa para ubicar la idea en el espacio y el tiempo.

Ebusus (nombre antiguo de Ibiza), es un tema a modo de homenaje a esa isla que durante tantos años les dio de comer. Otra exhibición de virtuosimo que requiere manual de usuario para comprender el mensaje. Cuando se reeditó en CD, el libreto interior nos dió algunas pistas de todo ese puzzle de frases y fragmentos de canciones ibizencas antiguas, aparentemente inconexos. Pero los que compramos el LP en vinilo, vivimos durante años en la inopia.

Así pues, faltos de material grabable (o de motivación), le cedieron la cara B a Martí Brunet, guitarrista del grupo, que siempre se ha caracterizado por andar -musicalmente hablando- veinticinco años por delante.
Lo que grabó Martí con un rudimentario sintetizador construido por él mismo, se anticipaba en mucho a lo que después conoceríamos como música New Age y/o Ambient. Se trata del tema en dos partes "Las Llaves del Subconsciente"; Mente y Cerebro. No se qué opinarás, pero parece estar grabado el mes pasado, y tiene la friolera de 38 años. 

Juan Bermúdez (2013)




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Saturday, 8 June 2013

VLADIMIR USSACHEVSKY - OTTO LUENING ‎– TAPE MUSIC AN HISTORIC CONCERT (DESTO RECORDS 1968)



Otra clase magistral de la Historia del Medio Musical Electrónico.

Vladimir Ussachevsky y Otto Luening pusieron a prueba la capacidad de la grabadora como una herramienta para manipular sonidos y notas sobre la grabación produciendo una música que no era posible hacerla con la interpretación instrumental tradicional en aquellos años. Por supuesto, hoy en día todo esto se hace con rodenadores, pero pongámonos en situación: corría el año 1952 y los ordedanores tal y como los conocemos hoy en día no existían, los sintetizadores todavía andaban con pañales y todo aquel fascinante mundo de manipulaciones de cintas magnetofónicas era el "no va más".



Tape-manipulado, piano y sonidos orquestales forman los elementos básicos de esta música, aunque en algunas piezas es muy difícil saber cómo se hacían los sonidos, ya que sonaban muy "de otro mundo". Estos caballeros dieron un concierto en el Museo de Arte Moderno de Nueva York el 28 de octubre de 1952, todo un documento fascinante de una época fecunda en la composición de sonido y en la investigación del medio musical electrónico.

Siento la mala calidad de los escaneos de las portadas, pero es que escanear vinilos en casa no es tarea fácil y encima éste tiene muchos años.


VLADIMIR USSACHEVSKY - OTTO LUENING ‎– TAPE MUSIC AN HISTORIC CONCERT (Museum Of Modern Art, New York, October 28, 1952)

TRACKLIST: 


A1 Vladimir Ussachevsky - Otto Luening – Sonic Contours
A2 Vladimir Ussachevsky - Otto Luening – Low Speed
A3 Vladimir Ussachevsky - Otto Luening – Fantasy In Space
A4 Vladimir Ussachevsky - Otto Luening – Incantation
A5 Vladimir Ussachevsky - Otto Luening – Invention On Twelve Notes
A6 Vladimir Ussachevsky - Otto Luening – Moonflight
B1 Otto Luening – Lyric Scene, For Flute And Strings
Conductor – Jose Serebrier
Flute – Per Øien
Oboe – Erik Larsen
Orchestra – Oslo Philharmonic Orchestra
B2 Otto Luening – Legend, For Oboe And Strings
Conductor – Jose Serebrier
Flute – Per Øien
Oboe – Erik Larsen
Orchestra – Oslo Philharmonic Orchestra



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Tuesday, 28 May 2013

RAYMOND SCOTT - MANHATTAN RESEARCH (2xCD - BASTA AUDIO VISUALS - 2000)



Para explicaros lo de este material, prefiero remitiros a las sabias palabras de Pablo - Audionautas - Freire, porque creo que su explicación es inmejorable.

Texto escrito por Pablo Freire en 4/10/2010 en su web AUDIONAUTAS:(http://www.audionautas.com/2010/09/raymond-scott-manhattan-research-inc.html)

La historia de la música electrónica no ha dejado de sorprender a propios y extraños en los últimos años. Muchos críticos sitúan el inicio del éxito comercial de la música electrónica durante los años 70, con la popularización de los primeros modelos de sintetizador a precios asequibles. En ese período Brian Eno supuestamente "inventó" el ambient, decenas de músicos publicitarios comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, y no fueron pocos los compositores de bandas sonoras  de cine y televisión que incorporaron a sus partituras sonoridades sintéticas. En muchos de estos casos y generalmente por desconocimiento, no dudaron en autoerigirse como pioneros.

No obstante, ya en los años 50 había un músico que se había adelantado en al menos veinte años a muchos de los "hallazgos" que algunos creyeron descubrir en los 70. Ese músico, en 1949 ya tenía unas ideas clarividentes al respecto de cómo sería la música del futuro: "Tal vez dentro de cien años, la ciencia perfeccionará un proceso de transferencia del pensamiento del compositor al oyente. El compositor se sentará en el escenario y simplemente pensará en su concepción idealizada de su música. En lugar de las actuales grabaciones musicales, las grabaciones transportarán las ondas cerebrales del compositor directamente a la mente del oyente". 

Ese músico de ideas tan revolucionarias no era otro que Raymond Scott (1908-1994). Nacido en Brooklyn, Nueva York, con el nombre de Harry Warnow, estudió piano, teoría y composición en la prestigiosa Juilliard School Of Music. En los años 30 y 40 y ya usando el nombre artístico de Raymond Scott, dirigió varias orquestas de 'swing' con un enorme éxito popular, en las que interpretaba sus propias composiciones (Powerhouse, Twilight In Turkey o The Toy Trumpet son algunas de las más conocidas). En 1946 fundó Manhattan Research Inc., su excéntrica firma "para diseñar y fabricar dispositivos y sistemas de música electrónica", casi de uso privado, y más adelante también de producción musical en publicidad y bandas sonoras para cine y televisión.

El contenido de Manhattan Research Inc. (Basta Audio/Visuals, 2000), es por encima de todo una recopilación de los trabajos más sobresalientes de Raymond Scott como músico para el medio televisivo durante las décadas de los años 50 y 60. No obstante, no se trata de la típica recopilación al uso, sino de un completo trabajo de documentación presentado en un excelente libro-disco de 144 páginas, que incluye entrevistas a los pioneros Robert Moog y Herb Deutsch, artículos glosando la figura de Scott, abundantes fotografías, recortes de prensa, anuncios de la época, así como unas completas explicaciones sobre el origen y características de cada una de las 69 piezas que incluye el doble CD.

En el apartado puramente sonoro, nos encontramos ante uno de esos álbumes que hacen que nos planteemos si la historia de la música electrónica no es fruto de una gran conspiración. Scott raras veces aparece citado como un pionero a tener en cuenta en varios de los libros de referencia, algo que afortunadamente está cambiando. Sin embargo, tanto a nivel musical como por los instrumentos que creó, con nombres tan curiosos como Bandito The Bongo Artist (una caja de ritmos), los secuenciadores The Bass Line Generator y Circle Machine, y otros como el teclado monofónico Clavivox o el Electronium (una consola de composición e interpretación instantánea), nos demuestran que el lugar anecdótico que a menudo ocupa Scott en la historia de la música electrónica se debe al desconocimiento existente y a una alarmante falta de visión histórica.

                         



En este doble álbum (o casi mejor libro-cd doble), se encuentran músicas publicitarias de productos tan variados como bebidas gaseosas ("Sprite: Mellonball Bounce"), detergentes ("Vim"), o pastillas para la garganta ("Vicks: Formula 44"), de empresas de servicios, como una compañía de taxis ("The Pigmy Taxi Corporation"), de gas y electricidad ("Baltimore Gas And Electric Co."), con sus diálogos y eslóganes, también apabullantes temas de demostración de algunos de los aparatos ya comentados como "The Bass-Line Generator", "The Toy Trumpet", "The Rhythm Modulator" o "Bandito The Bongo Artist". Tampoco faltan fragmentos de bandas sonoras como "Space Mystery", un film que ilustraba el pabellón de General Motors en la World Fair de Nueva York de 1964, o "Ripples" de un cortometraje de Jim Henson, el creador de los Teleñecos y Barrio Sésamo.

También se encuentran temas tan deliciosos como el breve "In The Hall Of The Mountain Queen" con una juguetona melodía infantil, las dos versiones de "Portofino", que parece una nana con cierto toque latino (¿a nadie le recuerda a The Last Rumba de Jean Michel Jarre?), o "Cindy Electronium", un alarde secuencial para un tema creado en 1960. Otras piezas fuertemente experimentales son "The Wild Piece" creada con el Electronium, en donde las secuencias aleatorias llevan el peso del tema, o "Take Me To Your Violin Teacher", similar en concepto a la anterior, y que muestran bien a las claras la diversidad de registros en los que se movía Scott.




Por último destacar que de la calidad sonora del álbum da fe el hecho de que las grabaciones originales de Scott estaban realizadas con tal grado de meticulosidad, que los productores del recopilatorio, Gert Jan-Blom y Jeff Winner, apenas tuvieron que corregir el audio de las mismas durante el proceso de masterización, a pesar de tener más de 40 años de antigüedad en algunos casos.

En definitiva, nos encontramos ante un doble álbum (y el magnífico libro que lo acompaña,) especialmente recomendado para todos aquellos arqueólogos de los orígenes de la música electrónica popular, de la historia no contada.



Por lo que a mi respecta, en breve voy a escanear el libreto adjunto a los dos CD's y lo subiré a Ex-Libris.


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Wednesday, 22 May 2013

Various ‎– OHM: The Early Gurus Of Electronic Music


Otra clase de historia del medio musical electrónico.

Un día cualquiera del año 2000, paseaba yo por la zona de la calle Tallers de Barcelona, cuando aún existían muchas tiendas de discos. En una de ellas vi esta caja titulada OHM: The Early Gurus Of Electronic Music, me entraron sudores fríos, temblores, incontinencia, hambre.... El caso es que me dirigí con ella a la caja para abonar el importe y marcharme disparado a casa para saborear tan magno material. Sobra comentar el placentero y onanista momentazo que le dediqué a esta recopilación.

OHM: The Early Gurus Of Electronic Music recopila, como su nombre indica, los auténticos gurús del sonido electrónico, desde mucho antes de la existencia de los sintetizadores hasta los años 70, todo un recorrido por el fantástico mundo de la electrónica musical concentrado en una soberbia caja de tres cd's con un libreto adjunto.



Como siempre, tenemos que decir aquello de "son todos los que están pero no están todos los que son", porque faltarían muchos nombres y muchas obras que merecerían formar parte de esta clase magistral de historia. ¿A quien echo de menos? Pues a los primeros thereministas coetáneos de Clara Rockmore, a los holandeses Tom Dissevelt, Kid Baltan, Dick Raaijmakers, a los de la BBC, a Eduardo Polonio... Pero bueno, ya se sabe que la perfección no existe, y no por esas ausencias debemos renegar de esta joya.

Algunos años más tarde de la aparición de esta caja, salió al mercado la misma recopilación de tres cd's pero acompañada de un dvd con videos de algunos de los artistas contenidos. Procuraré ripear el dvd y subirlo al blog Synthemesco, pero no os aseguro nada, porque los mandamases de blogger me tienen echado el ojo a ese blog y no quiero que me lo cierren.

De momento disfrutad de este hermoso homenaje a todos aquellos hombres y mujeres que trabajaron en el medio musical electrónico, que dedicaron la mayor parte de sus vidas a crear, inventar, componer y divulgar la esencia de la Música Electrónica.



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Friday, 3 May 2013

VARIOUS ‎– INSTITUTE OF SONOLOGY: EARLY ELECTRONIC MUSIC 1959-1969



Seguimos con nuestras clases de historia del medio musical electrónico, esta vez con una serie de grabaciones realizadas en el INSTITUTE OF SONOLOGY de Utrecht, Holanda.

Este disco contiene obras concebidas y grabadas entre 1959 y 1969, es decir, en aquellos años en los que nombrar las palabras "música electrónica" no llevaban a confusiones ni a tener que pensar en miles de derivados y subderivados, ni por supuesto en grotescos personajes pinchadiscos endiosados por gigantescas masas anencefálicas repletas de sustancias alucinógenas. Aquello era electrónica en estado puro y supuso el punto de partida de una infinidad de cosas que ocurrirían décadas más tarde y que por culpa del repugnante funcionamiento de nuestra civilización, han caído en un indebido ostracismo.

Los artistas que aquí encontramos no tenían límites de ningún tipo en lo que hacían, porque simplemente no habían reglas a seguir. Ellos fueron los pioneros de la ciencia, la música, y la experimentación por el puro placer de hacerlo. Son figuras esenciales para entender la historia del medio musical electrónico, a pesar de que en aquellos años estaban considerados unos locos y de que en nuestros días nadie se acuerde de ellos.

Aquí hay un enlace a Youtube donde se puede escuchar la primera pista:
http://www.youtube.com/watch?v=Hp2mFKzJJSg

     Dick Raaijmakers



TRACKLIST:

1 Dick Raaijmakers – Piano-Forte 4:57
2 Frits Weiland* – Studie In Lagen En Impulsen 4:50
3 Ton Bruynel* – Reflexen 4:34
4 Konrad Boehmer – Aspekt 15:13
5 Gottfried Michael Koenig – Funktion Orange 17:30
6 Rainer Riehn – Chants De Maldoror 26:26


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Saturday, 20 April 2013

VARIOUS - MÚSICA FUTURISTA: THE ART OF NOISES (1909-1935)



Otra clase de historia.

Musica Futurista: The Art of Noises es una compilación de música futurista, un estilo de música concreta y dadaísta que explotó en 1900 en Italia y que dejó cráter en toda la superficie terrestre en la que todavía se notan sus secuelas, las fallas, las grietas por donde cayó el veneno. Las consecuencias son más que obvias en obras de personajes como John Cale, The Velvet Underground, Sonic Youth, Can, Tangerine Dream y la mayoría de los músicos Avant-garde.

Esta colección incluye obras de Luigi Russolo(ruidismo), Daniele Lombardi, Filippo Tommaso Marinetti, Alfredo Casella, Aldo Giuntini y Antonio Russolo.

Unos más ruidosos y locos que otros, algunos con piezas bastante bonitas y un poco más tranquilas, pero no exentas de experimentación y demencia, estos alquimistas del sonido sentaron las bases de muchísimas cosas que ocurrieron en décadas posteriores, por lo que cre que merecen que se les rinda un homenaje.

Disfrutad esta clase magistral de historia.








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Monday, 8 April 2013

OLIVIER MESSIAEN: SINFONÍA TURANGALILA (1946-1948)




La Sinfonía Turangalila es un poema sinfónico de grandes proporciones que el compositor francés Olivier Messiaen compuso para satisfacer su primer encargo internacional importante. La partitura fue compuesta entre 1946 y 1948 por encargo de Serge Koussevitzky para la Orquesta Sinfónica de Boston, de la que Koussevitzky fue director titular entre 1924 y 1949.

La orquesta estrenó la Sinfonía Turangalila el 2 de diciembre de 1949, bajo la dirección de Leonard Bernstein en su sede de Boston. El encargo fue muy libre, no concretando ni la duración, requisitos orquestales ni el estilo de la obra, dejando todas estas decisiones para el compositor.Koussevitzky tenía programado dirigir el estreno de la obra, pero cayó enfermo, y tuvo que ceder la batuta a un joven Bernstein. Yvonne Loriod, quien posteriormente se convertiría en la segunda esposa de Messiaen, fue la solista al piano y Ginette Martenot tocó el generador de ondas Martenot en la primera y todas las siguientes interpretaciones hasta que desde 1953 Jeanne Loriod, hermana de Yvonne, empezó a tocar las ondas Martenot en muchas interpretaciones y grabaciones de la obra.



CONCEPTO:

Singularmente, dado que la mayoría de la obra de Messiaen tienen inspiración religiosa (y en concreto católica), durante la composición de la Sinfonía Turangalila estaba fascinado por el mito germánico de Tristán e Isolda, razón por la que esta obra forma parte integral de una trilogía de composiciones centradas en las ideas románticas del amor y de la muerte ―las otras dos piezas de esta trilogía esta son Harawi (para piano y soprano) y Cinq rechants (para coro no acompañado)―.
La obra es considerada una de las obras maestras de la música clásica del siglo XX, siendo muy interpretada y grabada. La obra cuenta con diez movimientos que se tocan sin interrupción a lo largo de sus aproximadamente ochenta minutos de duración.
En respuesta a preguntas sobre el significado de la duración de la obra, su división en diez movimientos y el porqué del uso de las ondas Martenot, Messiaen simplemente respondió: «Se trata de una canción de amor».
El título de la obra, así como el de sus movimientos, fueron concebidos con posterioridad a la terminación de la obra. No fueron explicados por Messiaen hasta que se publicó una anotación de su diario de principios de 1948:«El título nace de las dos palabras del sánscrito, turanga y lila, y puede traducirse libremente como ‘canción de amor e himno a la alegría, el tiempo, el movimiento, el ritmo, la vida y la muerte’.También describe la alegría de Turangalila como «sobrehumana, desbordante, deslumbrante y abandonada».
En sánscrito, turáṃ-ga significa ‘que va rápido’ (siendo turá: ‘rápido’, y ga: ‘va’): un caballo, o el pensamiento; y līlā: ‘diversión, pasatiempo’, especialmente ‘diversión divina’. Turanga lila significa el ‘los pasatiempos de la mente’.. Messiaen revisó la partitura en 1990.



ESTRUCTURA:

Los diez movimientos de la sinfonía están enlazados por una serie de temas e ideas musicales que reaparecen una y otra vez:

1- Introducción. Modéré, un peu vif: a modo de prólogo, se da entrada al «tema de la estatua» y al «tema de la flor», al que sigue el cuerpo central del movimiento, en el que se superponen dos grupos en ostinato con punteados rítmicos. Un reprise del «tema de la estatua» cierra la introducción.

2- Chant d’amour (Canción de amor) 1. Modéré, lourd: Tras una introducción atonal, el movimiento se construye mediante la alternancia de un tema rápido y apasionado dominado por las trompetas y un tema suave y gentil llevado por la cuerda y las ondas Martenot.

3- Turangalîla 1. Presque lent, rêveur: Se presentan tres temas: el primero mediante un solo de clarinete, el segundo suena en los metales graves y la cuerda y el tercero lo toca el viento-madera. El movimiento se desarrolla luego, se sobreimpone a los tres temas, con la adición de un nuevo ritmo en la percusión.

4- Chant d’amour 2. Bien modéré: introducido mediante un «scherzo» para el flautín y el fagot, este movimiento contiene nueve secciones, varias retoman material musical ya escuchado anteriormente. Una tranquila coda en la mayor le pone fin.

5- Joie du Sang des Étoiles (Alegría de la sangre de las estrellas). Vif, passionné avec joie: una frenética danza cuyo tema principal es una variación rápida del «tema de la estatua». Para Messiaen, esta danza representa la unión de dos amantes, vista como una transformación a escala cósmica. La danza es interrumpida por una demoledora cadenza del pianista, previa a una breve coda orquestal.

6- Jardin du Sommeil d’amour (Jardín del sueño del amor). Très modéré, très tendre: la primera aparición del «tema del amor» en la cuerda y las ondas Martenot se acompaña por una canción de pájaros idealizada ejecutada por el piano y la orquesta, mediante efectos coloristas. Según Messiaen, «los dos amantes son abrazados por el sueño del amor. Un paisaje sale de ellos...»

7- Turangalîla 2. Un peu vif, bien modéré: un movimiento completamente atonal que pretende invocar terror, con un papel predominante para la percusión.

8- Développement d’amour (Desarrollo del amor). Bien modéré: para Messiaen, el título puede considerarse de dos formas. Para los amantes es terrible: unidos por el elixir de amor, están atrapados en una pasión que crece hasta el infinito. Musicalmente, esta es la sección de desarrollo de la obra.

9 -Turangalîla 3. Bien modéré: Un nuevo tema es aportado por el viento madera. Un conjunto de percusión de cinco elementos, introduce unas series rítmicas que da soporte a una sucesión de variaciones del nuevo tema.

10- Final. Modéré, presque vif, avec une grande joie: El movimiento sigue la forma sonata: Una fanfarria de los metales, en paralelo a una rápida variación del «tema del amor» se desarrolla hasta llegar a una larga coda, una versión final del «tema del amor» ejecutada en fortissimo por la orquesta al completo. La obra termina con un enorme acorde de fa mayor. En palabras de Messiaen, «gloria y alegría sin fin».

La respuesta inicial de Messiaen al encargo de Koussevitzky fue la composición de una sinfonía convencional, en cuatro movimientos (que corresponden, según su posición en la obra actual, a los movimientos 1, 4 6 y 10). A continuación, añadió los tres movimientos Turangalîla, que inicialmente denominó Tâlas, en referencia al uso del ritmo en la música clásica india (movimientos 3, 7 y 9, según el orden definitivo). Posteriormente añadió todavía dos más: Chant d'amour y Développement de l'amour (movimientos 2 y 8). Pero no quedó contento hasta que añadió el quinto movimiento, el que es posiblemente se ha convertido en el más célebre: Joie du sang des étoiles que aporta en el núcleo de la obra un elemento de contraste a la ensoñación sostenida en el movimiento lento Jardin du sommeil d’amour encerrando el espíritu efervescente de la obra.
Al principio, Messiaen autorizó la ejecución de los movimientos 3, 4 y 5 como Tres tâlas (nombre que no tiene nada que ver con el que dio inicialmente a los tres movimientos Turangalîla), pero luego decidió desaprobar la interpretación de extractos.



INSTRUMENTACIÓN:

La Sinfonía Turangalila requiere una instrumentación singular: flautín, 2 flautas, 2 oboes, corno inglés, 2 clarinetes, clarinete bajo, 3 fagots, 4 trompas, 3 trompetas, 1 trompeta en re, corneta, 3 trombones, 1 tuba, piano solo, celesta y como mínimo 8 y hasta 112 percusionistas a cargo de: vibráfono, glockenspiel con teclado y glockenspiel enmallado, triángulo, temple blocks y caja china, platillos (crash y tres tipos de platillos suspendidos), gong, pandereta, maracas, caja, tamboril provenzal, bombo, campanas tubulares e instrumentos de cuerda (32 violines, 14 violas, 12 violoncelos y 10 contrabajos), además de un generador de ondas Martenot.
La parte del piano solista incluye varias cadenzas muy exigentes técnicamente.

La grabación que os ofrezco es de 1972, pero desconozco la orquesta, el director y la editora, ya que adquirí esta cassette allá por 1983 a través de un catálogo de discos y cassettes por correspondencia y no venía apenas información. La calidad del sonido, eso sí, es excelente.

Disfrutad de esta obra, ésto es histórico.


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MEDIAFIRE

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GOOGLE DRIVE

Tuesday, 19 March 2013

ADIÓS DEFINITIVO A NUESTRO FTP




Hola amigos.

Esta tarde he recibido un mail del hosting en el que tengo el dominio con el que comparto material a través de su FTP con todos vosotros. Según el mail, he sido denunciado supuestamente por alguien que frecuentaba nuestra FTP por usar mi cuenta de almacenamiento de información para almacenar datos, por lo cual, si no borro todos estos datos, me cerrarán el dominio, la web, el FTP y todo lo que encuentren por el camino. Por tanto, me veo obligado a borrar todo el material contenido en las carpetas correspondientes a cada blog y dejarlas peladas.

En lo sucesivo, seguiré compartiendo material (faltaría más) pero exclusivamente a través de los servidores habituales (Mediafire, Deposit Files, Rapidshare, We Transfer...) y procuraré, en la medida de lo posible, subir a estos servidores todo aquello que reposaba únicamente en nuestra FTP.

Ya es la tercera vez que intentan tumbarme en mi propósito pero, aunque esta vez sí han conseguido que no vuelva a usar el FTP, no conseguirán tumbar mi objetivo ni el trabajo que llevo realizando en mis blogs, que seguirá llevándose a cabo a través del medio que sea.

Siento los inconvenientes.

Un gran abrazo a tod@s.

Josep Maria Soler

Thursday, 14 March 2013

ASH RA TEMPEL / ASHRA / MANUEL GÖTTSCHING ‎– THE PRIVATE TAPES (VOL. 1 a 6)




Como siempre, a petición de un seguidor de este blog, repongo este material de Ashra Temple que fue volado por mi anterior hosting y que espero que no vuelva a volar.

Aquí os dejo esta caja de 6 cd's. Disfrutadla.


DEPOSIT FILES:


FTP:


INSTRUCCIONES:

Para descargarlo vía FTP, se os pedirán los siguientes datos para cada enlace:

USER: blogs@stahlfabrik-blogs.com

CONTRASEÑA: 123456

Para cualquier duda, escribidme a: stahlfabrik@hotmail.es

KLAUS SCHULZE - JUBILEE EDITION BOX




Como siempre, a petición de un seguidor de este blog, repongo este material de Klaus Schulze que fue volado por mi anterior hosting y que espero que no vuelva a volar.

Aquí os dejo esta caja de 25 cd's de Schulze. Disfrutadla.

DEPOSIT FILES:

CD1
CD2
CD3
CD4
CD5
CD6
CD7
CD8
CD9
CD10
CD11
CD12
CD13
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CD16
CD17
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CD23
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FTP:

CD1
CD2
CD3
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CD21
CD22
CD23
CD24
CD25

INSTRUCCIONES:

Para descargarlo vía FTP, se os pedirán los siguientes datos para cada enlace:

USER: blogs@stahlfabrik-blogs.com

CONTRASEÑA: 123456

Para cualquier duda, escribidme a: stahlfabrik@hotmail.es

KLAUS SCHULZE: SILVER EDITION BOX




Como siempre, a petición de un seguidor de este blog, repongo este material de Klaus Schulze que fue volado por mi anterior hosting y que espero que no vuelva a volar.

Aquí os dejo esta caja de 10 cd's de Schulze. Disfrutadla.

DEPOSIT FILES:

CD1
CD2
CD3
CD4
CD5
CD6
CD7
CD8
CD9
CD10


FTP:

CD1
CD2
CD3
CD4
CD5
CD6
CD7
CD8
CD9
CD10

INSTRUCCIONES:

Para descargarlo vía FTP, se os pedirán los siguientes datos para cada enlace:

USER: blogs@stahlfabrik-blogs.com

CONTRASEÑA: 123456

Para cualquier duda, escribidme a: stahlfabrik@hotmail.es

KLAUS SCHULZE - HISTORIC EDITION BOX



Como siempre, a petición de un seguidor de este blog, repongo este material de Klaus Schulze que fue volado por mi anterior hosting y que espero que no vuelva a volar.

Aquí os dejo esta caja de 10 cd's de Schulze. Disfrutadla.

DEPOSIT FILES:



FTP:


INSTRUCCIONES:

Para descargarlo vía FTP, se os pedirán los siguientes datos para cada enlace:

USER: blogs@stahlfabrik-blogs.com

CONTRASEÑA: 123456

Para cualquier duda, escribidme a: stahlfabrik@hotmail.es

Monday, 25 February 2013

CONRAD SCHNITZLER - TRIGGER TRILOGY (IMPORTANT RECORDS 2006) 3 CD'S



En 2006, el sello IMPORTANT RECORDS sacó al mercado una caja de 3 CD's del maestro de la electrónica Conrad Schnitzler. Cada CD es la destilación de cientos de horas de grabaciones, con naturalezas distintas. 'Trigger 1' consiste en temas de electrónica rítmica, 'Trigger 2' es uno de sus famosos conciertos 'Free Concert Mix Solo', mientras el CD3 es un 'Con-Cert'. En resumen, tres CD's de sonido electrónico puro muy asimilable a primera escucha, aunque os recomiendo que le dediqueis más de una.

Disfrutadlo.




TRACKLIST:

Trigger One: Solo Rhythmics (00/328)
1.1 Untitled 5:07
1.2 Untitled 3:25
1.3 Untitled 3:34
1.4 Untitled 5:17
1.5 Untitled 3:24
1.6 Untitled 4:06
1.7 Untitled 3:12
1.8 Untitled 3:45
1.9 Untitled 3:42
1.10 Untitled 5:29
1.11 Untitled 3:21
1.12 Untitled 5:07
1.13 Untitled 5:32
1.14 Untitled 5:31
  Trigger Two: Mix Solos (00/341)
2.1 Untitled 7:54
2.2 Untitled 2:08
2.3 Untitled 1:44
2.4 Untitled 3:56
2.5 Untitled 3:47
2.6 Untitled 3:13
2.7 Untitled 3:30
2.8 Untitled 3:10
2.9 Untitled 3:33
2.10 Untitled 3:21
2.11 Untitled 3:46
2.12 Untitled 3:05
2.13 Untitled 1:52
2.14 Untitled 2:21
2.15 Untitled 2:16
2.16 Untitled 2:27
2.17 Untitled 3:35
2.18 Untitled 4:32
  Trigger Three: Con-Cert (00/345)
3.1 Untitled 4:07
3.2 Untitled 3:54
3.3 Untitled 3:23
3.4 Untitled 3:29
3.5 Untitled 3:31
3.6 Untitled 3:33
3.7 Untitled 3:25
3.8 Untitled 4:05
3.9 Untitled 3:49
3.10 Untitled 3:36
3.11 Untitled 3:24
3.12 Untitled 3:37
3.13 Untitled 3:36
3.14 Untitled 4:06
3.15 Untitled 3:32
3.16 Untitled 3:58


RAPIDSHARE

DEPOSIT FILES

FTP

(LO SIENTO, EN MEDIAFIRE NO ACEPTAN MÁS DE 200 MB)


Para descargarlo vía FTP, aquí teneis los datos que teneis que introducir en el Filezilla o el programa que sea que utiliceis:

CUENTA FTP: stahlfabrik-blogs.com

USER: blogs@stahlfabrik-blogs.com

CONTRASEÑA: 123456

Si lo descargais desde el enlace de este post, solo debeis poner el User y la contraseña.