Fripp & Eno ‎– Live In Paris 28.05.1975 ( Discipline Global Mobile ‎– DGM3101, Opal Records ‎– DGM3101, CD ALBUM, 2014) (FLAC)

OTRO DE MIS AURO-REGALITOS QUE ME HICE ESTE AÑO EN MIS VACACIONES INVERNALES EN BARCELONA:

Uno de los conciertos más pirateados de la historia de Robert Fripp es el que dieron Fripp & Eno en parís en Mayo de 1975. Las cintas las tenian porque una infima cantidad se usó para su disco Evening Star. Finalmente es una descarga de DGM Live, un triple ya que lleva un cd adicional con los loops de las pruebas de sonido.

DISFRUTAD !!!!

Tracklist:

1-1 Water On Water 10:46

1-2 A Radical Representative Of Pinsnip 9:39

1-3 Swastika Girls 7:44

1-4 Wind On Wind 2:00

1-5 Announcement 1:13

2-1 Wind On Water 9:44

2-2 A Near Find In Rip Pop 7:21

2-3 A Fearful Proper Din 4:12

2-4 A Darn Psi Inferno 4:59

2-5 Evening Star 5:59

2-6 An Iron Frappe 10:33

2-7 Softy Gun Poison 12:31

2-8 An Index Of Metals 7:20

3-1 Test Loop I 4:07

3-2 Test Loop II 0:47

3-3 Loop Only: A Radical Representative Of Pinsnip 10:39

3-4 Loop Only: Wind On Water 9:53

3-5 Loop Only: A Darn Psi Inferno 5:40

3-6 Loop Only: Softy Gun Poison 14:45

Bonus Tracks

3-7 Loop Only: Wind On Water Reversed 9:50

3-8 Later On (Single B Side) 4:56

CD1

CD2

CD3

ARTWORKS

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HARMONIA - DOCUMENTS 1975 (GRÖNLAND RECORDS CDGRON152, CD ALBUM, 2016) (FLAC / MP3 320)

Texto de Mondo Sonoro:

A continuación del directo íntegro del 23 de marzo de 1974 que tuvo lugar en Griessem, Alemania y que se comercializa bajo el título de “Live 1974” (del que dimos cuenta en este blog hace poco), se lanzó un recopilatorio de cuatro rarezas, “Document 1975”, que debemos agradecer a Asmus Tietchens. Coetáneo de Harmonia y también músico, su pasión por el grupo le llevó a coleccionar diversas grabaciones a las que tenía acceso por su amistad con Moebius. De esos archivos personales surgen dos grabaciones de estudio y otras dos de directo registradas todas ellas en 1975 y en las que se hace evidente el magisterio del trío tanto en el terreno de la improvisación del directo como a la hora de darle vueltas a las posibilidades del motorik sound: urgente, urbanita y sombrío en “Tiki-taka” y entregado a la captura de la luz, con el característico patrón de Rother a los teclados en primitiva versión del tema que a la postre daría título al segundo disco de Harmonia.

Éste ha sido uno de los auto-regalitos con los que me he homenajeado durante las vacaciones de invierno en Barcelona. En breve más cositas compradas en la ciudad condal...

Lo he ripeado en FLAC y en MP3 a 320 para contentar a todos los públicos.

DISFRUTAD !!!!

Tracklist:

1 Tiki-Taka At Harmonia Studio In Forst (6:28)
Electric Piano, Vocals [Vox] – Hans-Joachim Roedelius
Guitar, Electronic Drums, Cymbal [Electronic Cymbals], Synth [Synthorchestra], Vocals [Vox] – Michael Rother
Harp [Nagoja Harp], Synthesizer, Vocals [Vox] – Dieter Moebius

2 Live At Onkel Pö In Hamburg (9:12)
Drums – Mani Neumeier
Electric Piano, Organ – Hans-Joachim Roedelius
Guitar – Michael Rother
Synthesizer – Dieter Moebius

3 Proto-Deluxe At Harmonia Studio In Forst (4:30)
Electric Piano – Hans-Joachim Roedelius
Electric Piano, Synth [Synthorchestra] – Michael Rother
Electronic Drums, Synthesizer – Dieter Moebius

4 Live At Fabrik In Hamburg (11:38)
Drums – Mani Neumeier
Electric Piano, Organ – Hans-Joachim Roedelius
Guitar, Electronic Drums – Michael Rother
Synthesizer – Dieter Moebius

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HARMONIA - LIVE 1974 (GRÖNLAND RECORDS CDGRON73, CD, 2007) (FLAC)

Texto de Rockaxis:

Cerca de 35 años hubo que esperar para que el súper grupo germano del fenómeno krautrock, Harmonia, lanzara al fin un disco en vivo de su corta pero influyente obra registrada en tres álbumes en estudio de la década 70: “Musik Von Harmonia” de 1974, “De Luxe” de 1975 y con la incorporación de Brian Eno en sus filas, “Tracks & Traces” grabado en 1976, aunque editado años más tarde en la década 90. El súper trío original, que se reunió a fines de 2007 para una histórica gira de promoción de este registro, está formado por los dos fundadores de Cluster, Dieter Moebius y Hans-Joachim Roedelius y uno de los líderes de Neu!, Michael Rother. De ahí que la denominación de súper banda, no pueda ser más acertada para el proyecto.

Específicamente, el documento fue extraído de una actuación que el pionero grupo efectuó el 23 de marzo de 1974 en el Club Penny Station de la ciudad alemana de Griessem. Con el consentimiento del trío, el sello Grönland fue el encargado de desenterrar el registro, que ahora, a más de tres décadas de su grabación, llega a nuestros oídos como un expediente esencial de la más sólida electrónica espacial de los 70, o como se denominó en su época en Alemania, Kosmische Musik.

El disco está compuesto por cinco largas composiciones, que de inmediato llaman la atención por su alcance y profundidad musical, sus investigaciones avanzadas en el campo del sonido, sus beats repetitivos y en general, sus exploraciones instrumentales, ahora comunes, pero en esa época, absolutamente vanguardistas. Con  Rother en órgano, guitarra, piano y batería programada; Roedelius en órgano y piano y Moebius en sintetizador y batería electrónica, la banda construye un tupido e hipnótico tejido sonoro, que logra crear espacios ambientales densos y sugerentes.

En títulos como “Schaumborg”, “Veteranissimo" o la experimental “Holta-Polta”, Harmonia deja en claro que sus directrices estéticas surgen de convicciones profundas y que su objetivo primordial, es reflejar la conexión del ser humano con el universo. Una electrónica que es el sustento sonoro para grandes ideas y percepciones, tan alejadas del  mundo hedonista de parte importante de la escena actual. Para estos objetivos, los tres protagonistas funden su talento en piezas dominadas por las nuevas posibilidades que entregaban los teclados en los 70, pero con una importante dosis de guitarra eléctrica, que Rother maneja con soltura, para crear composiciones enigmáticas que invitan al viaje o el examen interior.

Con “Live 1974”, Harmonia vuelve como un tesoro olvidado del pasado, para dejar en claro que fueron una de las bandas mayores en el desarrollo, no sólo del krautrock, sino que de la música electrónica entendida como una herramienta para develar los misterios más ancestrales del hombre y la realidad que al mismo tiempo de rodearlo, lo supera. Para esto, Harmonia no recurre a insatisfactorias respuestas racionales o científicas, sino que, paradójicamente, ocupa la tecnología para develar el sentido espiritual de la existencia humana. Al mismo tiempo, “Live 1974”, es un álbum que corrobora que el trío fue un importante actor en el desarrollo de un nuevo lenguaje musical, con una influencia perenne en la evolución de la electrónica hasta nuestros días.

Sobre la procedencia de la digitalización, decir que la he conseguido a través de SOULSEEK, de la mano de una coleccionista alemana que prefiere seguir en el anonimato. En el archivo comprimido se adjuntan documentos de cómo se realizó la digitalización en FLAC.

DISFRUTAD !!!!

Tracklist:

1 Schaumburg 10:45
2 Veteranissimo 17:25
3 Arabesque 5:20
4 Holta-Polta 15:00

5 Ueber Ottenstein 9:30



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EARLY MODULATIONS: VINTAGE VOLTS - CAIPIRINHA PRODUCTIONS (2000) (FLAC / MP3 320)

A PETICIÓN DE NUESTRA AMIGA Y SEGUIDORA ELISABETH ROGUE, REPONGO ESTE MATERIAL PERDIDO EN LA RED, ESTA VEZ EN DOS FORMATOS: FLAC Y MP3 320.

Más clases de historia.

Hoy os presento un cd que salió en el año 2000 y que recoge auténticas joyas de sonido electrónico realizadas entre 1939 y 1967. Entre otros incunables podemos encontrar el famoso "Étude aux Chemins de Fer" de Pierre Schaeffer, el "Concrete PH" de Iannis Xenakis o el "Imaginary Landscape" de John Cage. Pero de entre todas esas joyas, destaca el "Bicycle Biult for Two" de Max Mathews, canción también conocida como "Daisy Bell", considerada como la primera canción generada completamente por ordenador, tanto por lo que respecta a la música como a la voz. Fue esa canción la que recordó Hal 9000 cuando estaba siendo desconectado. Curioso, ¿no?

Venga, a estudiar la historia del medio musical electrónico.

TRACKLIST:

1 Otto Luening And Vladimir Ussachevsky – Incantation
Written-By, Performer – Otto Luening, Vladimir Ussachevsky 2:35

2 Max Mathews – Bicycle Built For Two
Written-By, Performer – Max Mathews 0:39

3 Pierre Schaeffer – Étude Aux Chemins De Fer
Written-By, Performer – Pierre Schaeffer 2:53

4 Iannis Xenakis – Concret PH
Written-By, Performer – Iannis Xenakis 2:42

5 John Cage – Imaginary Landscape No. 1
Written-By, Performer – John Cage 8:21

6 Vittorio Gelmetti – Treni D'Onda A Modulazione D'Intensità
Written-By, Performer – Vittorio Gelmetti 10:37

7 Vladimir Ussachevsky – Piece For Tape Recorder
Written-By, Performer – Vladimir Ussachevsky 5:42

8 Luc Ferrari – Tête Et Queue Du Dragon
Written-By, Performer – Luc Ferrari 9:13

9 Morton Subotnick – Silver Apples Of The Moon
Written-By, Performer – Morton Subotnick 12:18



FLAC

MP3 320

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André Jolivet - Concerto Pour Ondes Martenot Et Orchestre / Concerto Pour Harpe Et Orchestre De Chambre (Vega ‎– C 30 A 3, VINYL LP, 1955) (MP3 320)

HOY TOCA CLASE DE HISTORIA...

André Jolivet (París, 1905 - 1974). Compositor y director de orquesta francés. Fue inicialmente maestro de escuela, profesión que abandonó para dedicarse a la música. Trabajó con dos maestros cuya influencia le marcaría profundamente: Paul Le Flem y Edgar Varèse. Del primero aprendió armonía, mientras que Varèse supo transmitirle cierta alquimia indescriptible para apreciar mejor los sonidos.

Formó parte del grupo "Jeune France 1936", y al término de la Segunda Guerra Mundial fue nombrado director musical de la Comédie Française, cargo que ostentó desde 1945 hasta 1959. Posteriormente (1966-1970) fue profesor de composición en el Conservatorio de París.

Su obra inicial, que por su lenguaje atonal y violenta armonía denota la influencia de Varèse, cuenta con Mana (1935), Cinq incantations pour flûte (1936), Cosmogonie (1938) y Cinq danses rituelles (1939), entre otras. Entre las composiciones posteriores, algo más suavizadas por su intención de llegar mejor al público, cabe mencionar Trois complaintes du soldat (1940), Trois chansons de ménestrels (1943), Poèmes intimes (1944), la ópera bufa Dolorés ou le Miracle de la femme laide (1942) y el ballet Guignol et Pandore (1944). Particularmente interesante es Doce invenciones para doce instrumentos.

En su obra de madurez destacan cinco sinfonías: Épithalame (1953), Suite transocéane (1955); el oratorio La Vérité de Jeanne (1956), Le Coeur de la matière (1965) y Songe à nouveau rêvé (1971). Músico ampliamente galardonado, la muerte le sobrevino en 1974 mientras trabajaba en un encargo de la Ópera de París.

Fue también uno de los pocos compositores que escribieron música para las Ondas Martenot, un instrumento electrónico inventado en Francia en 1928 por Maurice Martenot.

Jolivet fundó en 1959 el "Centre Français d'Humanisme Musical" en la localidad de Aix-en-Provence, y seis años más tarde fue nombrado profesor de composición del Conservatorio de París.

Falleció en su ciudad natal en 1974, dejando inconclusa su ópera "Bogomilé ou Le lieutenant perdu".

Precisamente en su faceta como compositor de obras al Ondes Martenot, presentamos este disco que recoge dos grandes obras, por un lado el "Concerto Pour Ondes Martenot Et Orchestre" y por el otro el "Concerto Pour Harpe Et Orchestre De Chambre", ambos grabados a mediados de los años 50 y presentados en diferentes ediciones, de las que destacamos ésta del sello francés VEGA, quizás la edición más difícil de encontrar.

Una clase magistral de arqueología sonora dentro del medio musical electrónico.

DISFRUTAD !!!!

TRACKLIST:

Concerto Pour Ondes Martenot Et Orchestre
A1 Allegro Moderato
A2 Allegro Vivace
A3 Largo Cantabile
Concerto Pour Harpe Et Orchestre De Chambre
B1 Allegro Volubile
B2 Andante Cantabile
B3 Allegramente


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PAULINE OLIVEROS - REVERBERATIONS: TAPE & ELECTRONIC MUSIC 1961-1970 (Important Records ‎– IMPREC352) (12 × CD, Album, Reissue Box Set, Compilation, Reissue 2014) (FLAC)

REPONGO ESTE MATERIAL QUE EN SU DÍA SUBÍ EN FORMATO MP3, AHORA EN FLAC !!!!

Para agrupar la serie completa dedicada a las mujeres del Medio Musical Electrónico, re-ubico este post.

Para ilustrar el insigne y excelso material que os ofrezco hoy, he optado por utilizar el texto explicativo que escribió en su día Sigrid Baumann, ya que después de una intensa búsqueda y de una criba en condiciones, creo que es el artículo sobre PAULINE OLIVEROS que más me ha gustado.

PAULINE OLIVEROS, ARTISTA PIONERA EN LAS MUSICAS ALTERNATIVAS

Por: Sigrid Baumann.

By Gisela GamperNacida en 1932, la compositora e intérprete Pauline Oliveros, es considerada alumna de Robert Erickson, pionera en el campo de la música electrónica, virtuosa del acordeón, pedagoga musical, autora y filósofa excepcional, que ha transformado el panorama musical americano con su polifacético trabajo en el campo de la improvisación, técnicas electrónicas, rituales, mitos, métodos de enseñanza, y una amplia gama de actividades en pro de la música de vanguardia. La música meditativa actual debe a Pauline Oliveros su existencia, pues se la considera su creadora original. Sonic Meditations, obra en que refleja su filosofía, la llevaría a ser considerada como fuente de inspiración para el arte meditativo en todas sus manifestaciones, así como para músicos, artistas e incluso médicos que consideran la meditación como un método de curación eficaz.

Ya en los años sesenta Pauline Oliveros, entonces directora del Centro de Música Concreta del Mills College, iniciaría su carrera como pionera de las nuevas músicas, especializándose en la música con cinta magnética. Posteriormente pasa catorce años en la Universidad de California en San Diego, donde pasa a ser parte vital del mundialmente famoso programa de nuevas músicas de dicha institución.

En 1981 Pauline abandona su cátedra en la Universidad de California con el fin de dedicarse a desarrollar sus ideas, llevando a cabo sus proyectos creativos, actuaciones en solitario y diversas colaboraciones. Con este motivo funda la Deep Listening Band, una especial ensemble en la que participan importantes figuras del vanguardismo norteamericano, entre ellas el famoso trombonista Stuart Dempster, el conocido manipulador de espacios sonoros Panaiotis, y David Gamper, quien contribuye con sus expertas manipulaciones sonoras.

La artista funda en 1985 The Pauline Oliveros Foundation, Inc. (la Fundación Pauline Oliveros Inc.), en Kingston, Nueva York, con el fin de apoyar todos los aspectos del proceso creativo dirigido a una comunidad mundial de artistas, sus producciones musicales y su divulgación, con fines no lucrativos, en un innovador programa de creación de nuevas obras. Esta Fundación, que Pauline preside, incluye en su archivo un auténtico catálogo de la vanguardia musical americana, con material fonográfico, partituras, libros, videos, e información diversa sobre variados artistas tales como la misma Pauline, John Adams, Richard Kostelanetz, Christine Baczewska, Ellen Band, Brenda Hutchinson, Connie Kieltyka, Jane Leach, Annea Lockwood, Laurie Spiegel, etc. Este mismo año el centro John F. Kennedy ofrece una retrospectiva de su obra en Washington. El año anterior se edita una antología de sus trabajos escritos bajo el título Software for People.

Para Pauline la música debe transmitir una energía positiva, a través de la escucha, en un especial trabajo conjunto. Roots of the Moment, publicado en 1988, según el New York Times fue el mejor CD del año. Como compositora, Pauline ha sido galardonada en diversas ocasiones, entre otras con el Premio Bessie del Dance Theater Workshop por Contenders (1991), un trabajo para la Compañía de Danza Susan Marshall, un Fellowship del National Endowment for the Arts en 1992 por su composición Epigraphs in the Time of Aids, por la Deep Listening Band, además de un premio de la Foundation for Contemporary Performance (Fundación Para La Interpretación Contemporánea) 1994 por el conjunto de su trabajo.



En Diciembre de 1993 se estrena una obra de teatro musical, Njinga the Queen King, con música original de Pauline Oliveros, en el Next Wave Festival de la Academia de Música de Brooklyn. Su CD Pauline Oliveros & American Voices (1994) cosecha un gran éxito por parte de la crítica. Otras actividades que Pauline desarrolla a lo largo de su carrera incluyen su participación en el Festival de Música Visual de Lanzarote, así como sus diversas colaboraciones escribiendo artículos para el Leonardo Music Journal. En 1995 compone Ghost Dance, en colaboración con la coreógrafa bostoniana Paula Josa Jones, obra encargada por el Lincoln Center, así como la música para la producción de Mabou Mines Lear.

Pauline ha actuado en el John F. Kennedy Center para Performing Arts en Washington, DC, New Music America Festivals, además de numerosas actuaciones en incontables salas de conciertos en todo el mundo. En el décimo aniversario de la Fundación se dan una serie de conciertos y conferencias en Kingston, Nueva York. Sus grabaciones se dispersan en diversos sellos. De sus composiciones podemos destacar Crone Music; Tara's Room; Deep Listening; Vor der Flut; The Wanderer; Troglodyte's Delight; The Ready Made Boomerang; Sanctuary; Sounding Way, Tosca Salad; entre otras muchas.

Oliveros explora en sus composiciones todas las posibilidades que la técnica tiene que ofrecer al artista. Para ella, toda técnica es válida para la música. Tanto si son instrumentos acústicos, la electrónica, cintas pregrabadas, ordenadores o instrumentos especialmente diseñados y construídos por los músicos, como si se tratase de las altas tecnologías caso de tener acceso a éstas, así como los aspectos rituales y dramáticos/teatrales de las artes en general, son elementos que han de contribuir a la creación musical. Su innovador genio creativo y su excepcional vitalidad y veteranía en el campo de las músicas de vanguardia la han situado ya en la historia de la música como uno de los más grandes valores de nuestro tiempo.

Esta recopilación contiene trabajos realizados por PAULINE OLIVEROS en diferentes estudios durante el periodo 1961-1970, todo un tesoro para los aficionados al medio musical electrónico.
Originalmente fue lanzado en 2012 y re-lanzado en 2014 a través de la recaudación de fondos de la campaña de Kickstarter. El material viene en una caja totalmente impresa con 6 CDs dobles con libretos y fotografías. Fue lanzado para coincidir con el 80 cumpleaños Pauline Oliveros.

Disfrutad..




Tracklist:

Pauline Oliveros Home Electronic Music Studio 1961

1-1 Time Perspectives 19:38
San Francisco Tape Music Center 1964-1966

2-1 Mnemonics I 15:09
2-2 Mnemonics II 9:55
2-3 Mnemonics III 17:34

3-1 Mnemonics IV 18:46
3-2 Mnemonics V 13:54

University Of Toronto Electronic Music Studio 1966

4-1 II Of IV 16:16
4-2 III Of IV 9:23
4-3 IV Of IV 16:39
4-4 V Of IV 14:39
4-5 III 16:08

5-1 Team & Desecrations Improvisation 22:58
5-2 The Day I Disconnected The Erase Head And Forgot To Reconnect It 32:36
5-3 Jar Piece 15:52

6-1 Another Big Mother 31:40
6-2 Fed Back 1 28:10
6-3 Fed Back 2 3:56

7-1 5000 Miles 32:50
7-2 Angel Fix 32:37

8-1 Bottoms Up 1 12:50
8-2 Nite 16:28
8-3 Ringing The Mods 1 Heads 9:35
8-4 Ringing The Mods 2 Tails 9:35
8-5 Three Pieces I 5:22
8-6 Three Pieces II 3:21
8-7 Three Pieces III 4:03


Mills Tape Music Center 1966-1967

9-1 Big Slow Bog 32:39
9-2 Boone Bog 32:34

10-1 Bog Bog 33:45
10-2 Mind Bog 33:38

11-1 Mewsack 32:30


University Of California San Diego Electronic Music Studio 1967-1970
11-2 50-50 1 Heads 19:31
11-3 50-50 2 Tails 19:31

12-1 A Little Noise In The System 30:25

12-2 Red Horse Headache 21:26


DOWNLOAD:

CD1
CD2
CD3
CD4
CD5
CD6
CD7
CD8
CD9
CD10
CD11
CD12

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Pauline Oliveros - Toronto International Electroacoustic Symposium 2014 (Bootleg, FLAC)

Pauline Oliveros
Motion, Memories and Mermaids
Toronto International Electroacoustic Symposium 2014
Toronto, Wychwood Theater
August 16, 2014

Pauline Oliveros – V Accordion w/EIS (Expanded Instrument System), sixteen channel sound diffusion
Anne Bourne - cello

01. Motion, Memories and Mermaids

TT: 41m

Excellent recording!!

pass : savecueandlog

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l'Itinéraire* ‎– Espaces Électriques (Salabert Actuels ‎– SCD 8801, CD, Album, 1988) (FLAC)

 Ensemble L'Itinéraire

L'Itinéraire es uno de los principales conjuntos europeos de música contemporánea.

La formación fue fundada en enero de 1973 por los compositores Michaël Lévinas, Tristan Murail, Hugues Dufourt, Gérard Grisey, y Roger Tessier.

Desde entonces, ha multiplicado las colaboraciones con muchos compositores vivos. En sus más de treinta años, ha estrenado centenares de obras, y sigue en la vanguardia, renovando sus miembros con solistas de gran nivel.
 

 

French instrumental ensemble founded in 1973 by Michaël Levinas, Tristan Murail, Hugues Dufourt, Gérard Grisey and Roger Tessier, specializing in the contemporary repertoire, renowned for its groundbreaking explorations of the relationship between instrumental performance and many aspects of electronics during the early years.

Discogs

l'Itinéraire* ‎– Espaces Électriques
Label:
Salabert Actuels ‎– SCD 8801
Format:
CD, Album
Country:
France
Released:
1988
Genre:
Electronic, Classical
Style:
Contemporary, Post-Modern, Experimental

1     Labyrinthes D'Adrien

    Composed By – Costin Miereanu 17:47

2     Troisième Arcade - « Le Choeur Des Arches »

    Composed By – Michaël Levinas  8:41

3     Treize Couleurs Du Soleil Couchant

    Composed By – Tristan Murail  15:15

4     Mémoires Souterraines

    Composed By – Claude Lefebvre  16:55

5     Clair-Obscur

    Composed By – Roger Tessier 13:32


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VARIOUS - ELECTRONIC MUSIC FROM THE UNIVERSITY OF ILLINOIS (Heliodor ‎– H 25047, VINYL LP, 1967) (FLAC)

A colación de la publicación compartida en el blog EX LIBRIS sobre el célebre EMS de la universidad de Illinois (ver aquí), os ofrezco este LP editado en 1967 por el sello HELIODOR que recoge los trabajos de personajes tan insignes e imprescindibles como LEJAREN A. HILLER, KENNETH GABURO, CHARLES HAMM, HERBERT BRÜN, SALVATORE MARTIRANO, todos ellos piezas fundamentales tanto en la creación y desarrollo del estudio de música electrónica de la universidad de Illinois como del Medio Musical Electrónico en general. Un disco esencial que no puede faltar en las colecciones de todo buen aficionado al medio.

Lo he descargado de SOULSEEK en formato FLAC, en una sola pista y así os lo comparto.

DISFRUTAD...

TRACKLIST:

A1 –Lejaren A. Hiller* Machine Music 13:09
A2 –Kenneth Gaburo Lemon Drops 2:51
A3 –Kenneth Gaburo For Harry 4:47
A4 –Charles Hamm Canto 6:23
B1 –Herbert Brün Futility 7:52
B2 –Salvatore Martirano Underworld 17:02



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ROBERTO GERHARD - ELECTRONIC EXPLORATIONS FROM HIS STUDIO + BBC RADIOPHONIC WORKSHOP 1958-1967 (Sub Rosa ‎– SRV378, VINYL LP, 2014) (MP3 320)

Os presento un disco que recoge los trabajos que llevó a cabo en el ínclito y nunca bien ponderado BBC RADIOPHONIC WORKSHOP el músico ibérico ROBERTO GERHARD entre los años 50 y 60 del siglo XX. Pero... ¿quién es este personaje? Pues bien, ahí va un poco de información sobre su vida y su obra:

Roberto Gerhard, (Valls, 1896 - Cambridge, 1970) Compositor español. Es uno de los más notables representantes de la Generación musical del 27 y fue él quien introdujo el dodecafonismo y las teorías de la Segunda Escuela de Viena en España.

De padre suizo y madre alsaciana, Gerhard siempre dirigió su mirada hacia la música germánica, combinándola acertadamente con los ritmos y melodías del folclore de su Cataluña natal. A los doce años de edad se trasladó a Lausanne (Suiza) para estudiar comercio obligado por su padre, pero a los diecisiete años decidió dedicarse de lleno a la música y para ello viajó a Múnich, en cuyo conservatorio (Musikhochschule) se matriculó en 1913.

Poco después estalló la Primera Guerra Mundial y Gerhard tuvo que volver a Cataluña. Una vez en Barcelona se inscribió en las clases de piano de Enric Granados y, tras la muerte de éste, ocurrida en 1916, continuó recibiendo lecciones de Frank Marshall. Asimismo, comenzó a estudiar composición con Felipe Pedrell, que había sido maestro de Albéniz, Falla y Granados y defendía la simbiosis de las raíces musicales españolas con la metodología de la tradición sinfónica europea. La influencia de Pedrell fue crucial para la carrera compositiva de Gerhard, quien en aquella época fue asistente del folclorista Joan Amadés y cultivó una buena amistad con Manuel de Falla, al que admiraba profundamente.

Durante su periodo de formación en Barcelona compuso dos obras vocales destacables: el ciclo de canciones basado en poemas de Josep María López Picó, gran amigo del compositor, y L´infantament meravellós de Schahrazada, dedicado a la soprano Conchita Badía. Esta última obra utiliza profusamente el cromatismo y posee sonoridades de las músicas alemana y rusa de las primeras décadas del siglo XX, lo cual era realmente innovador para la música española de la época, más cercana a la tradición francesa. En su Trío con Piano de 1918, Gerhard se acerca más a los lenguajes de Ravel y Debussy, conjugando dicha influencia con aspectos del folclore peninsular.

En 1920 concluyó sus estudios con Pedrell y continuó componiendo obras como Dos Apunts para piano o Sept Haiku para voz y ensemble en un estilo cercano al serialismo. En 1923 fue aceptado en las clases de composición de Arnold Schoenberg en Viena, ciudad donde conoció a la que más tarde se convertiría en su esposa, Leopoldina Feichtegger. En 1925 se trasladó a Berlín junto a su maestro, del que ya había llegado a ser asistente, y continuó su formación con él.

Sus obras de este período muestran las influencias de Schoenberg en aspectos como la claridad en la forma, lo complejo de la textura contrapuntística y la concisión formal. Estas características se pueden escuchar tanto en su Quinteto de Viento como en el Concertino para Cuerdas, si bien poco tiempo después, al regresar a Barcelona, compuso una obra de raíces claramente nacionalistas: las Catorce canciones populares de Cataluña.

En 1930 se celebró su boda con Leopoldina en Barcelona. Al año siguiente Gerhard obtuvo un puesto de profesor de música en la Escola Normal de la Generalitat de Catalunya y pasó a encargarse del departamento de música de la Biblioteca de Catalunya. Ese mismo año, en 1931, Schoenberg y su esposa se trasladaron a la capital catalana durante ocho meses invitados por los Gerhard. Allí Schoenberg tuvo la oportunidad de dirigir sus obras con la orquesta de Pau Casals y compuso la partitura de Moises y Aaron.

En 1936, y gracias al empeño de Gerhard, tuvo lugar en Barcelona el XVI festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea. En el marco de dicho evento se estrenó el Concierto para Violín de Alban Berg y el ballet del propio Gerhard titulado Ariel, sobre textos de Josep Vicenç Foix basados en La Tempestad de Shakespeare, así como en ciertas imágenes folclóricas catalanas. Pocos meses después del estreno de Ariel, Gerhard se centró en la composición de otro ballet basado en danzas folclóricas de Cataluña que se estrenó en forma de suite en 1972. Su título provisional fue Soirées de Barcelone y en él se dejan ver influencias tanto de Stravinsky como de Bartok.

Tras el fin de la Guerra Civil española y la toma del gobierno por parte del dictador fascista Francisco Franco en 1939, Gerhard decidió trasladarse al extranjero, como hicieron muchos de los artistas de la Generación del 27. En un principio se instaló en París, ciudad donde residían sus amigos Joan Miró y Josep Lluis Sert, pero en junio de 1939 le ofrecieron una beca de investigación en el King's College de la Universidad de Cambridge (Reino Unido) y allí permaneció hasta su muerte. Dado que su música no poseía en un principio un público fiel en Inglaterra, durante la década de los años cuarenta Gerhard tuvo que realizar arreglos de zarzuelas y música popular española para la orquesta de la BBC utilizando el pseudónimo de "Juan Serralonga".

En 1941 se celebró el centenario del nacimiento de Pedrell, para el que Gerhard escribió el Cançionero de Pedrell. Ese mismo año terminó el ballet Don Quijote para orquesta de cámara, una obra serial que describe con maestría las contradicciones entre Don Quijote y Sancho Panza. El ballet, que más tarde fue divulgado por la BBC en un programa de radio sobre la célebre novela de Cervantes, se estrenó en el teatro Sadler's Wells de Londres en 1951 tras sufrir diversos cambios.

Antes de esa fecha Gerhard ya había compuesto otros dos ballets, Alegría y Pandora, por encargo del Ballet Rambert y del Ballet Joos, respectivamente. El primero de ellos, Alegría, posee ciertas resonancias del folclore andaluz, mientras que el segundo contiene muchos elementos de la música popular de Cataluña. Pero su obra escénica más importante es sin duda La Dueña, inspirada en la comedia The Duenna de Richard Sheridan y que rinde tributo a la tonadilla escénica dieciochista de compositores como Pablo Esteve o Blas de Laserna.

Además de dedicarse a componer música para la escena, Gerhard creó numerosas obras orquestales como el Concierto para violín, dedicado al solista catalán Antonio Brosa y muy cercano a las ideas compositivas de Schoenberg. Asimismo, el lenguaje utilizado en su Concierto para piano vuelve a ser de carácter serial, pero con incursiones en el folclore catalán y en la música ibérica renacentista para teclado.

El interés por la búsqueda de nuevos sonidos y texturas le llevó a acercarse a la música electroacústica. La BBC le montó en su propia casa un pequeño estudio donde Gerhard manipulaba electrónicamente sonidos y los utilizaba en ciertas composiciones de música incidental para seriales radiofónicos u obras de teatro como King Lear, de Peter Brook, en 1955.

Al año siguiente, la revista The Score le rindió un homenaje dedicándole un número completo en el que escribieron Laurence Picken y David Drew, entre otros. Por aquel entonces el compositor catalán ya había concluido su Sinfonía nº 2 por encargo de la BBC, institución en la que Gerhard ocupó diversos puestos. Además, enseñó en los cursos de verano de Dartington (Inglaterra) y ejerció la docencia en los Estados Unidos de manera ocasional, concretamente en el prestigioso Berkshire Music Center de Tanglewood y en la Universidad de Michigan.

Los últimos diez años de la obra de Gerhard están marcados por una evolución en sus técnicas compositivas cuyo fruto se deja ver en las obras de este periodo, todas ellas de un solo movimiento polimórfico. Las numerosas composiciones de esta última década comienzan con su Sinfonía nº 3 "Collages", que data de 1960. En ella sólo hay un movimiento que se divide en siete secciones en las que intenta reflejar las experiencias vividas en sus viajes al continente americano. En la cuarta sección, Gerhard utiliza la electrónica para crear distintos efectos.

Otras obras, como el Cuarteto de cuerda nº 2 o el Concert per a 8, también constan de un solo movimiento dividido en secciones. Pero sin duda su obra más notoria de este periodo es la cantata La peste. La partitura está basada en la obra de igual nombre de Albert Camus, con quien Gerhard colaboró estrechamente. Además de utilizar recursos electrónicos, Gerhard cuenta en La peste con un narrador para recitar el texto y con un coro, siguiendo la tradición de las tragedias griegas. Tras La peste vinieron su Sinfonía nº 4 "New York" -compuesta por encargo de la Orquesta Filarmónica de Nueva York- y tres obras camerísticas basadas en los signos del zodíaco: Libra, Leo y Gemini.

Casi al final de su vida, en 1967, Gerhard fue nombrado Comendador del Imperio Británico. Al año siguiente fue investido doctor honoris causa por el King's College de la Universidad de Cambridge en reconocimiento a su labor compositiva. En 1992, veintidós años después de la muerte de Gerhard, La Dueña vio la luz en el Teatro de La Zarzuela de Madrid y en el Liceu de Barcelona, en una versión de la compañía británica Opera North dirigida por Antoni Ros Marbá.

Pues bueno, ahí os dejo con este ELECTRONIC EXPLORATIONS FROM HIS STUDIO + BBC RADIOPHONIC WORKSHOP 1958-1967 de ROBERTO GERHARD para que gocéis de sonido electrónico en su máximo esplendor.

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Pierre Henry ‎– Le Livre Des Morts Égyptien (1990 CD Mantra ‎– MANTRA 043) (FLAC)

                                                         Pierre Henry

 Nunca fue a la escuela, sus padres contrataban educadores que lo visitaban en su casa. Luego comenzó sus estudios en el Conservatorio de París, donde estudió piano y percusión con Félix Passeronne, composición con Nadia Boulanger y armonía con el maestro francés Olivier Messiaen.Entre 1949 y 1958, Henry trabajó en París en el Club d'Essai de la Radio Televisión Francesa (RTF), fundado por Pierre Schaeffer. Durante este periodo compuso su pieza de 1950 "Symphonie pour un homme seul" en colaboración con Schaeffer. También compuso la primera pieza de música concreta que apareció en una película comercial, el cortometraje de 1952 "Astrologie ou le miroir de la vie".Henry ha compuesto música para numerosas películas y ballets. Uno de sus trabajos más conocidos es la obra experimental de 1967 "Messe pour le temps présent", una de las varias colaboraciones con el coreógrafo Maurice Béjart, en la cual aparece su conocida pieza "Psyche Rock", la cual ha sido remezclada por Fatboy Slim en 1997 y adaptada en 1999 por el compositor Christopher Tyng para la serie "Futurama". Esta misma melodía sirvió como sintonía del popular programa de TVE "Estudio abierto" presentado por José María Iñigo entre 1969 y 1975.Pierre Henry es una pieza clave en el desarrollo de la música concreta, al convertirse en el primer músico con educación formal totalmente volcado en la creación de música con medios electrónicos.

Pierre Henry ‎– Le Livre Des Morts Égyptien
Label:Mantra ‎– MANTRA 043
Format:CD, Album
Country:France
Released:1990
Genre:Electronic
Style:Musique Concrète

1	Navigation	15:23
2	Dislocation	9:55
3	Transformation	4:42
4	Négation	4:29
5	Jugement	11:49
6	Attente	10:06
7	Affirmation	10:10

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