Thursday, 1 December 2016

André Jolivet - Concerto Pour Ondes Martenot Et Orchestre / Concerto Pour Harpe Et Orchestre De Chambre (Vega ‎– C 30 A 3, VINYL LP, 1955) (MP3 320)


HOY TOCA CLASE DE HISTORIA...

André Jolivet (París, 1905 - 1974). Compositor y director de orquesta francés. Fue inicialmente maestro de escuela, profesión que abandonó para dedicarse a la música. Trabajó con dos maestros cuya influencia le marcaría profundamente: Paul Le Flem y Edgar Varèse. Del primero aprendió armonía, mientras que Varèse supo transmitirle cierta alquimia indescriptible para apreciar mejor los sonidos.

Formó parte del grupo "Jeune France 1936", y al término de la Segunda Guerra Mundial fue nombrado director musical de la Comédie Française, cargo que ostentó desde 1945 hasta 1959. Posteriormente (1966-1970) fue profesor de composición en el Conservatorio de París.

Su obra inicial, que por su lenguaje atonal y violenta armonía denota la influencia de Varèse, cuenta con Mana (1935), Cinq incantations pour flûte (1936), Cosmogonie (1938) y Cinq danses rituelles (1939), entre otras. Entre las composiciones posteriores, algo más suavizadas por su intención de llegar mejor al público, cabe mencionar Trois complaintes du soldat (1940), Trois chansons de ménestrels (1943), Poèmes intimes (1944), la ópera bufa Dolorés ou le Miracle de la femme laide (1942) y el ballet Guignol et Pandore (1944). Particularmente interesante es Doce invenciones para doce instrumentos.

En su obra de madurez destacan cinco sinfonías: Épithalame (1953), Suite transocéane (1955); el oratorio La Vérité de Jeanne (1956), Le Coeur de la matière (1965) y Songe à nouveau rêvé (1971). Músico ampliamente galardonado, la muerte le sobrevino en 1974 mientras trabajaba en un encargo de la Ópera de París.

Fue también uno de los pocos compositores que escribieron música para las Ondas Martenot, un instrumento electrónico inventado en Francia en 1928 por Maurice Martenot.

Jolivet fundó en 1959 el "Centre Français d'Humanisme Musical" en la localidad de Aix-en-Provence, y seis años más tarde fue nombrado profesor de composición del Conservatorio de París.

Falleció en su ciudad natal en 1974, dejando inconclusa su ópera "Bogomilé ou Le lieutenant perdu".

Precisamente en su faceta como compositor de obras al Ondes Martenot, presentamos este disco que recoge dos grandes obras, por un lado el "Concerto Pour Ondes Martenot Et Orchestre" y por el otro el "Concerto Pour Harpe Et Orchestre De Chambre", ambos grabados a mediados de los años 50 y presentados en diferentes ediciones, de las que destacamos ésta del sello francés VEGA, quizás la edición más difícil de encontrar.

Una clase magistral de arqueología sonora dentro del medio musical electrónico.

DISFRUTAD !!!!



TRACKLIST:

Concerto Pour Ondes Martenot Et Orchestre
A1 Allegro Moderato
A2 Allegro Vivace
A3 Largo Cantabile
Concerto Pour Harpe Et Orchestre De Chambre
B1 Allegro Volubile
B2 Andante Cantabile
B3 Allegramente


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Monday, 7 November 2016

Various ‎– Omicron-Omega (Qbico ‎– Qbico Omicron to Qbico Omega) (10 × Vinyl, LP, Compilation, Partially Unofficial Box Set, Limited Edition) (FLAC)




ATTENTION : The sound of this box is different. Not only electronic music!!!!!










Various ‎– Omicron-Omega
Label:Qbico ‎– Qbico Omicron, Qbico ‎– Qbico Rho, Qbico ‎– Qbico Sigma, Qbico ‎– Qbico Tau, Qbico ‎– Qbico Upsilon, Qbico ‎– Qbico Chi, Qbico ‎– Qbico Psi, Qbico ‎– Qbico Omega
Format:10 × Vinyl, LP, Compilation, Partially Unofficial
Box Set, Limited Edition
Country:Italy
Released:11 Nov 2011
Genre:Electronic, Jazz, Folk, World, & Country
Style:Free Jazz, Abstract, Drone, Free Improvisation, Avant-garde Jazz, Experimental  


A     –Kluster & Friends*     Asa

    Performer – Conrad Schnitzler, Klaus Freudigmann, Unknown Artist, Wolfgang Seidel

   
B     –Kluster & Friends*     Cvc

    Performer – Conrad Schnitzler, Klaus Freudigmann, Unknown Artist, Wolfgang Seidel

   
C     –Kluster & Friends*     Dav

    Performer – Conrad Schnitzler, Klaus Freudigmann, Unknown Artist, Wolfgang Seidel

   
D     –Kluster & Friends*     Fugi

    Performer – Conrad Schnitzler, Klaus Freudigmann, Unknown Artist, Wolfgang Seidel

   
        -
E     –Conrad Schnitzler     Film Music, 1975    
F     –Conrad Schnitzler     Film Music, 1975    
G     –Hartmut Geerken / Michael Ranta     The Heliopolar Egg, Bangkok, Dec. 11, 1976

    Instruments [Mallet Instruments], Xylophone, Marimba, Metallophone, Vibraphone, Tabla, Idiophone [Flexatone], Castanets [Castagnets], Oboe [Japanese], Woodwind [Argool], Gong, Tam-tam [Tamtams], Electronics [Short-wave Receiver], Violin [Chinese], Erhu [Er-hu, Jung-hu], Wood Block, Effects [Echo Machine], Bells [Cup Bells], Esraj [Indian Israj], Electronics [Vco, Vcf], Vocals – Michael RantaPiano, Piano [Prepared Piano, Piano Strings], Bells [Tibetan Tingshak, Water Tingshak], Bullroarer [Waldteufel], Rattle [Mokkatam Pot Rattles], Bells, Bells [Water Bells, Sleigh Bells], Gong [Gongs, Water Gongs], Performer [Tibetan Boo-chals, Water Boo-chals, Musical Clock], Horn [Tibetan Horn], Performer [Singing Tube], Maracas, Wood Block, Temple Block, Gong [Peking Opera Gongs], Castanets [Castagnets], Bells [Lead Camel Bell], Electronics [Short-wave Receiver], Swarmandel [Swarmandal], Whistle [Whistles], Woodwind [Argool], Percussion [Monkey Drum], Xylophone [Toy Xylophone], Bells [Lion Bell], Ektare [Gopichand], Cymbal [Egyptian Cymbals & Sagat], Waterphone, Voice, Glockenspiel [Toy Glockenspiele], Kalimba [Thumb Piano] – Hartmut Geerken

   
H     –Hartmut Geerken / Michael Ranta     The Heliopolar Egg, Bangkok, Dec. 11, 1976

    Instruments [Mallet Instruments], Xylophone, Marimba, Metallophone, Vibraphone, Tabla, Idiophone [Flexatone], Castanets [Castagnets], Oboe [Japanese], Woodwind [Argool], Gong, Tam-tam [Tamtams], Electronics [Short-wave Receiver], Violin [Chinese], Erhu [Er-hu, Jung-hu], Wood Block, Effects [Echo Machine], Bells [Cup Bells], Esraj [Indian Israj], Electronics [Vco, Vcf], Vocals – Michael RantaPiano, Piano [Prepared Piano, Piano Strings], Bells [Tibetan Tingshak, Water Tingshak], Bullroarer [Waldteufel], Rattle [Mokkatam Pot Rattles], Bells, Bells [Water Bells, Sleigh Bells], Gong [Gongs, Water Gongs], Performer [Tibetan Boo-chals, Water Boo-chals, Musical Clock], Horn [Tibetan Horn], Performer [Singing Tube], Maracas, Wood Block, Temple Block, Gong [Peking Opera Gongs], Castanets [Castagnets], Bells [Lead Camel Bell], Electronics [Short-wave Receiver], Swarmandel [Swarmandal], Whistle [Whistles], Woodwind [Argool], Percussion [Monkey Drum], Xylophone [Toy Xylophone], Bells [Lion Bell], Ektare [Gopichand], Cymbal [Egyptian Cymbals & Sagat], Waterphone, Voice, Glockenspiel [Toy Glockenspiele], Kalimba [Thumb Piano] – Hartmut Geerken

   
I     –Sabu Toyozumi / Mototeru Takagi     Live At Barber Fuji

    Drums, Percussion – Sabu ToyozumiTenor Saxophone – Mototeru Takagi

   
J     –Sabu Toyozumi / Mototeru Takagi     Live At Barber Fuji

    Drums, Percussion – Sabu ToyozumiTenor Saxophone – Mototeru Takagi

   
K     –Arthur Doyle / Wilber Morris / Rashid Bakr     Live At The Alterknit, NYC

    Bass – Wilber MorrisDrums – Rashid BakrTenor Saxophone, Recorder – Arthur Doyle

   
L     –Steve Baczkowski / Ravi Padmanabha     Improvisations, 2005

    Bombarde, Kalimba, Flute, Percussion – Steve BaczkowskiDrum, Tabla, Percussion – Ravi Padmanabha

   
M     –Mr. Qbico Orchestra     Live At Studio Kuu

    Alto Saxophone – Tiitus PetäjäniemiBaritone Saxophone – Taneli ViitahuhtaBass – Tero KemppainenDrums, Percussion – David VanzanElectric Guitar, Recorded By [Recordings] – Marko YlianttilaFlute [Bamboo Flutes], Percussion – Simo LaihonenHarmonium, Percussion – J. KohoOrgan, Percussion – QbicoSoprano Saxophone, Tenor Saxophone, Percussion – Virginia GentaTenor Saxophone, Percussion – Sami PekkolaTrumpet – Eero SavelaViolin – Hermanni Yli-Tepsa

   
N     –Mr. Qbico Orchestra     Live At Studio Kuu

    Alto Saxophone – Tiitus PetäjäniemiBaritone Saxophone – Taneli ViitahuhtaBass – Tero KemppainenDrums, Percussion – David VanzanElectric Guitar, Recorded By [Recordings] – Marko YlianttilaFlute [Bamboo Flutes], Percussion – Simo LaihonenHarmonium, Percussion – J. KohoOrgan, Percussion – QbicoSoprano Saxophone, Tenor Saxophone, Percussion – Virginia GentaTenor Saxophone, Percussion – Sami PekkolaTrumpet – Eero SavelaViolin – Hermanni Yli-Tepsa

   
O     –Mr. Qbico Orchestra     Live At Studio Kuu

    Alto Saxophone – Tiitus PetäjäniemiBaritone Saxophone – Taneli ViitahuhtaBass – Tero KemppainenDrums, Percussion – David VanzanElectric Guitar, Recorded By [Recordings] – Marko YlianttilaFlute [Bamboo Flutes], Percussion – Simo LaihonenHarmonium, Percussion – J. KohoOrgan, Percussion – QbicoSoprano Saxophone, Tenor Saxophone, Percussion – Virginia GentaTenor Saxophone, Percussion – Sami PekkolaTrumpet – Eero SavelaViolin – Hermanni Yli-Tepsa

   
P     –Mr. Qbico Orchestra     Live At Studio Kuu

    Alto Saxophone – Tiitus PetäjäniemiBaritone Saxophone – Taneli ViitahuhtaBass – Tero KemppainenDrums, Percussion – David VanzanElectric Guitar, Recorded By [Recordings] – Marko YlianttilaFlute [Bamboo Flutes], Percussion – Simo LaihonenHarmonium, Percussion – J. KohoOrgan, Percussion – QbicoSoprano Saxophone, Tenor Saxophone, Percussion – Virginia GentaTenor Saxophone, Percussion – Sami PekkolaTrumpet – Eero SavelaViolin – Hermanni Yli-Tepsa

   
Q     –Mura (3)     Untitled

    Performer – Makoto Kawabata, Unknown Artist

   
R     –Mura (3)     Untitled

    Performer – Makoto Kawabata, Unknown Artist

   
S     –Dark Revolution Collective*     Live

    Percussion [Hand-made Percussion] – Yasuo Iwaki*, Tetsushi Kawagishi*Percussion [Hand-made Percussion], Synthesizer – Makoto Kawabata

   
T     –Dark Revolution Collective*     Live

    Percussion [Hand-made Percussion] – Yasuo Iwaki*, Tetsushi Kawagishi*Percussion [Hand-made Percussion], Synthesizer – Makoto Kawabata

Dedicated to the late Conrad Schnitzler.
All 10 LP's include printed inner sleeves (front & back). Each box is different.
Limited edition of 101 numbered copies - 50 regular copies, 26 hand painted copies with a bonus one sided 7", 20 unnumbered copies for musicians, and 5 test pressings.

Sides A, B, C & D rec. in Berlin, 1969/1972.
Sides I & J rec. January 17, 1994 Tokyo, Japan.
Side K rec. August 9, 1997.
Sides M, N, O & P rec. August 25, 2008 Helsinki.
Sides Q & R rec. early 80's in Nara, Japan.
Sides S & T rec. Nara, Japan, 1979. 

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Tuesday, 1 November 2016

PAULINE OLIVEROS - REVERBERATIONS: TAPE & ELECTRONIC MUSIC 1961-1970 (Important Records ‎– IMPREC352) (12 × CD, Album, Reissue Box Set, Compilation, Reissue 2014) (FLAC)




REPONGO ESTE MATERIAL QUE EN SU DÍA SUBÍ EN FORMATO MP3, AHORA EN FLAC !!!!


Para agrupar la serie completa dedicada a las mujeres del Medio Musical Electrónico, re-ubico este post.

Para ilustrar el insigne y excelso material que os ofrezco hoy, he optado por utilizar el texto explicativo que escribió en su día Sigrid Baumann, ya que después de una intensa búsqueda y de una criba en condiciones, creo que es el artículo sobre PAULINE OLIVEROS que más me ha gustado.


PAULINE OLIVEROS, ARTISTA PIONERA EN LAS MUSICAS ALTERNATIVAS

Por: Sigrid Baumann.

By Gisela GamperNacida en 1932, la compositora e intérprete Pauline Oliveros, es considerada alumna de Robert Erickson, pionera en el campo de la música electrónica, virtuosa del acordeón, pedagoga musical, autora y filósofa excepcional, que ha transformado el panorama musical americano con su polifacético trabajo en el campo de la improvisación, técnicas electrónicas, rituales, mitos, métodos de enseñanza, y una amplia gama de actividades en pro de la música de vanguardia. La música meditativa actual debe a Pauline Oliveros su existencia, pues se la considera su creadora original. Sonic Meditations, obra en que refleja su filosofía, la llevaría a ser considerada como fuente de inspiración para el arte meditativo en todas sus manifestaciones, así como para músicos, artistas e incluso médicos que consideran la meditación como un método de curación eficaz.

Ya en los años sesenta Pauline Oliveros, entonces directora del Centro de Música Concreta del Mills College, iniciaría su carrera como pionera de las nuevas músicas, especializándose en la música con cinta magnética. Posteriormente pasa catorce años en la Universidad de California en San Diego, donde pasa a ser parte vital del mundialmente famoso programa de nuevas músicas de dicha institución.

En 1981 Pauline abandona su cátedra en la Universidad de California con el fin de dedicarse a desarrollar sus ideas, llevando a cabo sus proyectos creativos, actuaciones en solitario y diversas colaboraciones. Con este motivo funda la Deep Listening Band, una especial ensemble en la que participan importantes figuras del vanguardismo norteamericano, entre ellas el famoso trombonista Stuart Dempster, el conocido manipulador de espacios sonoros Panaiotis, y David Gamper, quien contribuye con sus expertas manipulaciones sonoras.

La artista funda en 1985 The Pauline Oliveros Foundation, Inc. (la Fundación Pauline Oliveros Inc.), en Kingston, Nueva York, con el fin de apoyar todos los aspectos del proceso creativo dirigido a una comunidad mundial de artistas, sus producciones musicales y su divulgación, con fines no lucrativos, en un innovador programa de creación de nuevas obras. Esta Fundación, que Pauline preside, incluye en su archivo un auténtico catálogo de la vanguardia musical americana, con material fonográfico, partituras, libros, videos, e información diversa sobre variados artistas tales como la misma Pauline, John Adams, Richard Kostelanetz, Christine Baczewska, Ellen Band, Brenda Hutchinson, Connie Kieltyka, Jane Leach, Annea Lockwood, Laurie Spiegel, etc. Este mismo año el centro John F. Kennedy ofrece una retrospectiva de su obra en Washington. El año anterior se edita una antología de sus trabajos escritos bajo el título Software for People.

Para Pauline la música debe transmitir una energía positiva, a través de la escucha, en un especial trabajo conjunto. Roots of the Moment, publicado en 1988, según el New York Times fue el mejor CD del año. Como compositora, Pauline ha sido galardonada en diversas ocasiones, entre otras con el Premio Bessie del Dance Theater Workshop por Contenders (1991), un trabajo para la Compañía de Danza Susan Marshall, un Fellowship del National Endowment for the Arts en 1992 por su composición Epigraphs in the Time of Aids, por la Deep Listening Band, además de un premio de la Foundation for Contemporary Performance (Fundación Para La Interpretación Contemporánea) 1994 por el conjunto de su trabajo.



En Diciembre de 1993 se estrena una obra de teatro musical, Njinga the Queen King, con música original de Pauline Oliveros, en el Next Wave Festival de la Academia de Música de Brooklyn. Su CD Pauline Oliveros & American Voices (1994) cosecha un gran éxito por parte de la crítica. Otras actividades que Pauline desarrolla a lo largo de su carrera incluyen su participación en el Festival de Música Visual de Lanzarote, así como sus diversas colaboraciones escribiendo artículos para el Leonardo Music Journal. En 1995 compone Ghost Dance, en colaboración con la coreógrafa bostoniana Paula Josa Jones, obra encargada por el Lincoln Center, así como la música para la producción de Mabou Mines Lear.

Pauline ha actuado en el John F. Kennedy Center para Performing Arts en Washington, DC, New Music America Festivals, además de numerosas actuaciones en incontables salas de conciertos en todo el mundo. En el décimo aniversario de la Fundación se dan una serie de conciertos y conferencias en Kingston, Nueva York. Sus grabaciones se dispersan en diversos sellos. De sus composiciones podemos destacar Crone Music; Tara's Room; Deep Listening; Vor der Flut; The Wanderer; Troglodyte's Delight; The Ready Made Boomerang; Sanctuary; Sounding Way, Tosca Salad; entre otras muchas.

Oliveros explora en sus composiciones todas las posibilidades que la técnica tiene que ofrecer al artista. Para ella, toda técnica es válida para la música. Tanto si son instrumentos acústicos, la electrónica, cintas pregrabadas, ordenadores o instrumentos especialmente diseñados y construídos por los músicos, como si se tratase de las altas tecnologías caso de tener acceso a éstas, así como los aspectos rituales y dramáticos/teatrales de las artes en general, son elementos que han de contribuir a la creación musical. Su innovador genio creativo y su excepcional vitalidad y veteranía en el campo de las músicas de vanguardia la han situado ya en la historia de la música como uno de los más grandes valores de nuestro tiempo.





Esta recopilación contiene trabajos realizados por PAULINE OLIVEROS en diferentes estudios durante el periodo 1961-1970, todo un tesoro para los aficionados al medio musical electrónico.
Originalmente fue lanzado en 2012 y re-lanzado en 2014 a través de la recaudación de fondos de la campaña de Kickstarter. El material viene en una caja totalmente impresa con 6 CDs dobles con libretos y fotografías. Fue lanzado para coincidir con el 80 cumpleaños Pauline Oliveros.

Disfrutad..




Tracklist:

Pauline Oliveros Home Electronic Music Studio 1961

1-1 Time Perspectives 19:38
San Francisco Tape Music Center 1964-1966

2-1 Mnemonics I 15:09
2-2 Mnemonics II 9:55
2-3 Mnemonics III 17:34

3-1 Mnemonics IV 18:46
3-2 Mnemonics V 13:54

University Of Toronto Electronic Music Studio 1966

4-1 II Of IV 16:16
4-2 III Of IV 9:23
4-3 IV Of IV 16:39
4-4 V Of IV 14:39
4-5 III 16:08

5-1 Team & Desecrations Improvisation 22:58
5-2 The Day I Disconnected The Erase Head And Forgot To Reconnect It 32:36
5-3 Jar Piece 15:52

6-1 Another Big Mother 31:40
6-2 Fed Back 1 28:10
6-3 Fed Back 2 3:56

7-1 5000 Miles 32:50
7-2 Angel Fix 32:37

8-1 Bottoms Up 1 12:50
8-2 Nite 16:28
8-3 Ringing The Mods 1 Heads 9:35
8-4 Ringing The Mods 2 Tails 9:35
8-5 Three Pieces I 5:22
8-6 Three Pieces II 3:21
8-7 Three Pieces III 4:03


Mills Tape Music Center 1966-1967

9-1 Big Slow Bog 32:39
9-2 Boone Bog 32:34

10-1 Bog Bog 33:45
10-2 Mind Bog 33:38

11-1 Mewsack 32:30


University Of California San Diego Electronic Music Studio 1967-1970
11-2 50-50 1 Heads 19:31
11-3 50-50 2 Tails 19:31

12-1 A Little Noise In The System 30:25

12-2 Red Horse Headache 21:26


DOWNLOAD:


CD1
CD2
CD3
CD4
CD5
CD6
CD7
CD8
CD9
CD10
CD11
CD12


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Monday, 31 October 2016

Pauline Oliveros - Toronto International Electroacoustic Symposium 2014 (Bootleg, FLAC)



Pauline Oliveros
Motion, Memories and Mermaids
Toronto International Electroacoustic Symposium 2014
Toronto, Wychwood Theater
August 16, 2014

Pauline Oliveros – V Accordion w/EIS (Expanded Instrument System), sixteen channel sound diffusion
Anne Bourne - cello

01. Motion, Memories and Mermaids

TT: 41m


Excellent recording!!

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Tuesday, 11 October 2016

l'Itinéraire* ‎– Espaces Électriques (Salabert Actuels ‎– SCD 8801, CD, Album, 1988) (FLAC)

 Ensemble L'Itinéraire

L'Itinéraire es uno de los principales conjuntos europeos de música contemporánea.

La formación fue fundada en enero de 1973 por los compositores Michaël Lévinas, Tristan Murail, Hugues Dufourt, Gérard Grisey, y Roger Tessier.

Desde entonces, ha multiplicado las colaboraciones con muchos compositores vivos. En sus más de treinta años, ha estrenado centenares de obras, y sigue en la vanguardia, renovando sus miembros con solistas de gran nivel.
 

 

French instrumental ensemble founded in 1973 by Michaël Levinas, Tristan Murail, Hugues Dufourt, Gérard Grisey and Roger Tessier, specializing in the contemporary repertoire, renowned for its groundbreaking explorations of the relationship between instrumental performance and many aspects of electronics during the early years.


Discogs


l'Itinéraire* ‎– Espaces Électriques
Label:
Salabert Actuels ‎– SCD 8801
Format:
CD, Album
Country:
France
Released:
1988
Genre:
Electronic, Classical
Style:
Contemporary, Post-Modern, Experimental

1     Labyrinthes D'Adrien

    Composed By – Costin Miereanu 17:47

2     Troisième Arcade - « Le Choeur Des Arches »

    Composed By – Michaël Levinas  8:41

3     Treize Couleurs Du Soleil Couchant

    Composed By – Tristan Murail  15:15

4     Mémoires Souterraines

    Composed By – Claude Lefebvre  16:55

5     Clair-Obscur

    Composed By – Roger Tessier 13:32


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Monday, 10 October 2016

Various ‎– Forbidden Planets (Music From The Pioneers Of Electronic Sound) (Chrome Dreams ‎– CDCD5033 , 2 × CD, Album, Compilation, 2009) (FLAC)











Discogs

Various ‎– Forbidden Planets (Music From The Pioneers Of Electronic Sound)
Label:
Chrome Dreams ‎– CDCD5033
Format:
2 × CD, Album, Compilation
Country:
UK
Released:
2009
Genre:
Electronic, Classical, Stage & Screen
Style:
Avantgarde, Musique Concrète, Score

1-1 –Miklos Rozsa     Spellbound (Prelude)     3:03
1-2  –Pierre Schaeffer     Etude Aux Chemins De Fer     2:49
1-3  –Bernard Hermann   Prelude / Outer Space / Radar (From "The Day The Earth Stood Still") 3:46 1-4–Bernard Hermann     Nocturne / The Flashlight / The Robot / Space Control (From "The Day       The Earth Stood Still")  5:58                                                                                                        
1-5  –Herbert Eimert / Robert Beyer     Klang Im Unbegrenzten Raum     10:26
1-6  –John Cage     Imaginary Landscape     8:21
1-7  –Herbert Eimert / Robert Beyer     Klangstudie 2     4:29
1-8  –Karlheinz Stockhausen     Studie 1     9:25
1-9  –Paul Gredinger     Formaten I-II     4:35
1-10  –Henri Posseur     Seismagramme I-II     6:29
1-11  –Karlheinz Stockhausen     Gesang Der Juenglinge     13:03
2-1  –Louis & Bebe Barron     Main Titles / Overture (From "Forbidden Planet")     2:21
2-2  –Herman Heiss     Elektronische Komposition 1     5:12
2-3  –Louis & Bebe Barron     Battle With The Invisible Monster (From "Forbidden Planet")     2:55
2-4  –Henri Pousseur     Scambi     6:27
2-5  –Iannis Xenakis     Diamorphoses     6:52
2-6  –Kid Baltan     Song Of The Second Moon (Orig. Vers.)     3:06
2-7  –BBC Radiophonic Workshop - Daphne Oram / Desmond Briscoe     The Ocean     1:06
2-8  –Tom Dissevelt     Syncopation     3:00
2-9  –Edgar Varese     Poeme Electronique     8:00
2-10  –Gyorgy Ligeti*     Artikulation     3:48
        
–Henk Badings     Evolutionen Ballet Music     (13:37)
2-11.1     –     Overture    
2-11.2     –     Air    
2-11.3     –     Ragtime    
2-11.4     –     Intermezzo    
2-11.5     –     Waltz    
2-11.6     –     Finale    
2-12  –Tom Dissevelt     Whirling     2:35
2-13  –John Cage     Fontana Mix     11:32

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Sunday, 9 October 2016

VARIOUS - ELECTRONIC MUSIC FROM THE UNIVERSITY OF ILLINOIS (Heliodor ‎– H 25047, VINYL LP, 1967) (FLAC)


A colación de la publicación compartida en el blog EX LIBRIS sobre el célebre EMS de la universidad de Illinois (ver aquí), os ofrezco este LP editado en 1967 por el sello HELIODOR que recoge los trabajos de personajes tan insignes e imprescindibles como LEJAREN A. HILLER, KENNETH GABURO, CHARLES HAMM, HERBERT BRÜN, SALVATORE MARTIRANO, todos ellos piezas fundamentales tanto en la creación y desarrollo del estudio de música electrónica de la universidad de Illinois como del Medio Musical Electrónico en general. Un disco esencial que no puede faltar en las colecciones de todo buen aficionado al medio.

Lo he descargado de SOULSEEK en formato FLAC, en una sola pista y así os lo comparto.

DISFRUTAD...






TRACKLIST:

A1 –Lejaren A. Hiller* Machine Music 13:09
A2 –Kenneth Gaburo Lemon Drops 2:51
A3 –Kenneth Gaburo For Harry 4:47
A4 –Charles Hamm Canto 6:23
B1 –Herbert Brün Futility 7:52
B2 –Salvatore Martirano Underworld 17:02



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Sunday, 2 October 2016

ROBERTO GERHARD - ELECTRONIC EXPLORATIONS FROM HIS STUDIO + BBC RADIOPHONIC WORKSHOP 1958-1967 (Sub Rosa ‎– SRV378, VINYL LP, 2014) (MP3 320)


Os presento un disco que recoge los trabajos que llevó a cabo en el ínclito y nunca bien ponderado BBC RADIOPHONIC WORKSHOP el músico ibérico ROBERTO GERHARD entre los años 50 y 60 del siglo XX. Pero... ¿quién es este personaje? Pues bien, ahí va un poco de información sobre su vida y su obra:

Roberto Gerhard, (Valls, 1896 - Cambridge, 1970) Compositor español. Es uno de los más notables representantes de la Generación musical del 27 y fue él quien introdujo el dodecafonismo y las teorías de la Segunda Escuela de Viena en España.

De padre suizo y madre alsaciana, Gerhard siempre dirigió su mirada hacia la música germánica, combinándola acertadamente con los ritmos y melodías del folclore de su Cataluña natal. A los doce años de edad se trasladó a Lausanne (Suiza) para estudiar comercio obligado por su padre, pero a los diecisiete años decidió dedicarse de lleno a la música y para ello viajó a Múnich, en cuyo conservatorio (Musikhochschule) se matriculó en 1913.

Poco después estalló la Primera Guerra Mundial y Gerhard tuvo que volver a Cataluña. Una vez en Barcelona se inscribió en las clases de piano de Enric Granados y, tras la muerte de éste, ocurrida en 1916, continuó recibiendo lecciones de Frank Marshall. Asimismo, comenzó a estudiar composición con Felipe Pedrell, que había sido maestro de Albéniz, Falla y Granados y defendía la simbiosis de las raíces musicales españolas con la metodología de la tradición sinfónica europea. La influencia de Pedrell fue crucial para la carrera compositiva de Gerhard, quien en aquella época fue asistente del folclorista Joan Amadés y cultivó una buena amistad con Manuel de Falla, al que admiraba profundamente.

Durante su periodo de formación en Barcelona compuso dos obras vocales destacables: el ciclo de canciones basado en poemas de Josep María López Picó, gran amigo del compositor, y L´infantament meravellós de Schahrazada, dedicado a la soprano Conchita Badía. Esta última obra utiliza profusamente el cromatismo y posee sonoridades de las músicas alemana y rusa de las primeras décadas del siglo XX, lo cual era realmente innovador para la música española de la época, más cercana a la tradición francesa. En su Trío con Piano de 1918, Gerhard se acerca más a los lenguajes de Ravel y Debussy, conjugando dicha influencia con aspectos del folclore peninsular.

En 1920 concluyó sus estudios con Pedrell y continuó componiendo obras como Dos Apunts para piano o Sept Haiku para voz y ensemble en un estilo cercano al serialismo. En 1923 fue aceptado en las clases de composición de Arnold Schoenberg en Viena, ciudad donde conoció a la que más tarde se convertiría en su esposa, Leopoldina Feichtegger. En 1925 se trasladó a Berlín junto a su maestro, del que ya había llegado a ser asistente, y continuó su formación con él.

Sus obras de este período muestran las influencias de Schoenberg en aspectos como la claridad en la forma, lo complejo de la textura contrapuntística y la concisión formal. Estas características se pueden escuchar tanto en su Quinteto de Viento como en el Concertino para Cuerdas, si bien poco tiempo después, al regresar a Barcelona, compuso una obra de raíces claramente nacionalistas: las Catorce canciones populares de Cataluña.

En 1930 se celebró su boda con Leopoldina en Barcelona. Al año siguiente Gerhard obtuvo un puesto de profesor de música en la Escola Normal de la Generalitat de Catalunya y pasó a encargarse del departamento de música de la Biblioteca de Catalunya. Ese mismo año, en 1931, Schoenberg y su esposa se trasladaron a la capital catalana durante ocho meses invitados por los Gerhard. Allí Schoenberg tuvo la oportunidad de dirigir sus obras con la orquesta de Pau Casals y compuso la partitura de Moises y Aaron.

En 1936, y gracias al empeño de Gerhard, tuvo lugar en Barcelona el XVI festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea. En el marco de dicho evento se estrenó el Concierto para Violín de Alban Berg y el ballet del propio Gerhard titulado Ariel, sobre textos de Josep Vicenç Foix basados en La Tempestad de Shakespeare, así como en ciertas imágenes folclóricas catalanas. Pocos meses después del estreno de Ariel, Gerhard se centró en la composición de otro ballet basado en danzas folclóricas de Cataluña que se estrenó en forma de suite en 1972. Su título provisional fue Soirées de Barcelone y en él se dejan ver influencias tanto de Stravinsky como de Bartok.

Tras el fin de la Guerra Civil española y la toma del gobierno por parte del dictador fascista Francisco Franco en 1939, Gerhard decidió trasladarse al extranjero, como hicieron muchos de los artistas de la Generación del 27. En un principio se instaló en París, ciudad donde residían sus amigos Joan Miró y Josep Lluis Sert, pero en junio de 1939 le ofrecieron una beca de investigación en el King's College de la Universidad de Cambridge (Reino Unido) y allí permaneció hasta su muerte. Dado que su música no poseía en un principio un público fiel en Inglaterra, durante la década de los años cuarenta Gerhard tuvo que realizar arreglos de zarzuelas y música popular española para la orquesta de la BBC utilizando el pseudónimo de "Juan Serralonga".

En 1941 se celebró el centenario del nacimiento de Pedrell, para el que Gerhard escribió el Cançionero de Pedrell. Ese mismo año terminó el ballet Don Quijote para orquesta de cámara, una obra serial que describe con maestría las contradicciones entre Don Quijote y Sancho Panza. El ballet, que más tarde fue divulgado por la BBC en un programa de radio sobre la célebre novela de Cervantes, se estrenó en el teatro Sadler's Wells de Londres en 1951 tras sufrir diversos cambios.

Antes de esa fecha Gerhard ya había compuesto otros dos ballets, Alegría y Pandora, por encargo del Ballet Rambert y del Ballet Joos, respectivamente. El primero de ellos, Alegría, posee ciertas resonancias del folclore andaluz, mientras que el segundo contiene muchos elementos de la música popular de Cataluña. Pero su obra escénica más importante es sin duda La Dueña, inspirada en la comedia The Duenna de Richard Sheridan y que rinde tributo a la tonadilla escénica dieciochista de compositores como Pablo Esteve o Blas de Laserna.

Además de dedicarse a componer música para la escena, Gerhard creó numerosas obras orquestales como el Concierto para violín, dedicado al solista catalán Antonio Brosa y muy cercano a las ideas compositivas de Schoenberg. Asimismo, el lenguaje utilizado en su Concierto para piano vuelve a ser de carácter serial, pero con incursiones en el folclore catalán y en la música ibérica renacentista para teclado.

El interés por la búsqueda de nuevos sonidos y texturas le llevó a acercarse a la música electroacústica. La BBC le montó en su propia casa un pequeño estudio donde Gerhard manipulaba electrónicamente sonidos y los utilizaba en ciertas composiciones de música incidental para seriales radiofónicos u obras de teatro como King Lear, de Peter Brook, en 1955.


Al año siguiente, la revista The Score le rindió un homenaje dedicándole un número completo en el que escribieron Laurence Picken y David Drew, entre otros. Por aquel entonces el compositor catalán ya había concluido su Sinfonía nº 2 por encargo de la BBC, institución en la que Gerhard ocupó diversos puestos. Además, enseñó en los cursos de verano de Dartington (Inglaterra) y ejerció la docencia en los Estados Unidos de manera ocasional, concretamente en el prestigioso Berkshire Music Center de Tanglewood y en la Universidad de Michigan.

Los últimos diez años de la obra de Gerhard están marcados por una evolución en sus técnicas compositivas cuyo fruto se deja ver en las obras de este periodo, todas ellas de un solo movimiento polimórfico. Las numerosas composiciones de esta última década comienzan con su Sinfonía nº 3 "Collages", que data de 1960. En ella sólo hay un movimiento que se divide en siete secciones en las que intenta reflejar las experiencias vividas en sus viajes al continente americano. En la cuarta sección, Gerhard utiliza la electrónica para crear distintos efectos.

Otras obras, como el Cuarteto de cuerda nº 2 o el Concert per a 8, también constan de un solo movimiento dividido en secciones. Pero sin duda su obra más notoria de este periodo es la cantata La peste. La partitura está basada en la obra de igual nombre de Albert Camus, con quien Gerhard colaboró estrechamente. Además de utilizar recursos electrónicos, Gerhard cuenta en La peste con un narrador para recitar el texto y con un coro, siguiendo la tradición de las tragedias griegas. Tras La peste vinieron su Sinfonía nº 4 "New York" -compuesta por encargo de la Orquesta Filarmónica de Nueva York- y tres obras camerísticas basadas en los signos del zodíaco: Libra, Leo y Gemini.

Casi al final de su vida, en 1967, Gerhard fue nombrado Comendador del Imperio Británico. Al año siguiente fue investido doctor honoris causa por el King's College de la Universidad de Cambridge en reconocimiento a su labor compositiva. En 1992, veintidós años después de la muerte de Gerhard, La Dueña vio la luz en el Teatro de La Zarzuela de Madrid y en el Liceu de Barcelona, en una versión de la compañía británica Opera North dirigida por Antoni Ros Marbá.

Pues bueno, ahí os dejo con este ELECTRONIC EXPLORATIONS FROM HIS STUDIO + BBC RADIOPHONIC WORKSHOP 1958-1967 de ROBERTO GERHARD para que gocéis de sonido electrónico en su máximo esplendor.

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Sunday, 7 August 2016

Pierre Henry ‎– Le Livre Des Morts Égyptien (1990 CD Mantra ‎– MANTRA 043) (FLAC)

                                                         Pierre Henry


 Nunca fue a la escuela, sus padres contrataban educadores que lo visitaban en su casa. Luego comenzó sus estudios en el Conservatorio de París, donde estudió piano y percusión con Félix Passeronne, composición con Nadia Boulanger y armonía con el maestro francés Olivier Messiaen.Entre 1949 y 1958, Henry trabajó en París en el Club d'Essai de la Radio Televisión Francesa (RTF), fundado por Pierre Schaeffer. Durante este periodo compuso su pieza de 1950 "Symphonie pour un homme seul" en colaboración con Schaeffer. También compuso la primera pieza de música concreta que apareció en una película comercial, el cortometraje de 1952 "Astrologie ou le miroir de la vie".Henry ha compuesto música para numerosas películas y ballets. Uno de sus trabajos más conocidos es la obra experimental de 1967 "Messe pour le temps présent", una de las varias colaboraciones con el coreógrafo Maurice Béjart, en la cual aparece su conocida pieza "Psyche Rock", la cual ha sido remezclada por Fatboy Slim en 1997 y adaptada en 1999 por el compositor Christopher Tyng para la serie "Futurama". Esta misma melodía sirvió como sintonía del popular programa de TVE "Estudio abierto" presentado por José María Iñigo entre 1969 y 1975.Pierre Henry es una pieza clave en el desarrollo de la música concreta, al convertirse en el primer músico con educación formal totalmente volcado en la creación de música con medios electrónicos.





Pierre Henry ‎– Le Livre Des Morts Égyptien
Label:Mantra ‎– MANTRA 043
Format:CD, Album
Country:France
Released:1990
Genre:Electronic
Style:Musique Concrète








1Navigation 15:23
2 Dislocation 9:55
3 Transformation 4:42
4 Négation 4:29
5 Jugement 11:49
6 Attente 10:06
7 Affirmation 10:10   
Libro de los muertos

pass : ELECTRONIC ORGY

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Sunday, 24 July 2016

LARS STROSCHEN / JÖRG THOMASIUS / ANDRÉ RUSCHKOWSKI ‎– TONART VIER (OFF SCALE ‎– OS 004, CD ALBUM, 1994) (FLAC / MP3 320)


DEDICADO A LA COMPAÑERA DE SOULSEEK KAMILLA MEXX Y AL AMIGO Y COLABORADOR FAUSTINGER

Hace unos días, recibí un mensaje privado en Soulseek de una coleccionista llamada Kamilla Mexx, que me preguntó si tenía los álbumes "Tonart Vier" y "Tonart Fülf". Pues bien, después de mucho buscar, el amigo Faustinger me proporcionó una directriz para conseguir, al menos el "Vier". 

"Tonart Vier" es el cuarto capítulo de la serie de obras de experimentación electrónica Tonart, que comenzó en 1992 como fruto de la colaboración de Conrad Schnitzler, Lars Stroschen, y Jörg Thomasius. El enfoque de la composición es que cada músico grababa su material en solitario y se mezclaba con la música de uno o más del resto de artistas. En sus dos primeros lanzamientos, Eins y Zwei, aparecen los tres compositores. En su tercer lanzamiento, Drei, aparece simplemente Stroschen y Thomasius. Ahora, con Vier introducen un nuevo elemento a la ecuación, André Ruschkowski . Cada uno de sus cuatro versiones mantiene un estado de ánimo diferente y Vier es quizás el más accesible de los cuatro primeros. Ésto puede ser debido a la adición de Ruschkowski, desconocido para los oídos occidentales pero que sin embargo se trata de un músico electrónico consumado y ganador de varios concursos académicos. Toda la música de Vier se basa en un extracto de 13 minutos, "Akonie I", tomado de 60 minutos de improvisación electrónica llevada a cabo por los tres y grabado en enero de 1994. Hay 10 piezas en el disco: tres piezas en solitario, tres piezas dúo, tres piezas trío, y "Akonie I." Los temas no llevan título excepto "Akonie I,", el resto sólo llevan las iniciales de los compositores de esa pieza. Las piezas "solo" contienen música original del compositor mezclado con material de sonido procesado por "Akonie I." Las piezas dúo siguen el enfoque de los temas en solitario, pero con el segundo compositor añadiendo más música y procesamiento. Finalmente las piezas trío siguen el enfoque de las piezas dúo con el tercer compositor añadiendo aún más trabajo para terminar la pieza. Los resultados son sorprendentes. No hay dos piezas que suenen igual, por lo que la música es amorfa, sin movimiento ni forma... algo difícil de describir con palabras. A veces es un movimiento de lenta evolución de electrónica aguda, como los primeros trabajos de Pascal Comelade. En otros, gimen estructuras metálicas gigantescas que amenazan con derrumbarse sobre ti. Mi pieza favorita, la tercera pista "LS & AR," es un viaje interestelar, donde el oyente es testigo del nacimiento de estrellas, al igual que la experiencia visual del viaje psicodélico de Kubrick a través de la puerta estelar en 2001. Las mentes anodinas que no intenten escuchar esta obra, pero para aquellas personas que gozan con la experimentación sonora, Vier es de obligada escucha.

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Tracklist:

1 –Lars Stroschen LS 7:23
2 –Lars Stroschen + Jörg Thomasius + André Ruschkowski LS+JT+AR 5:13
3 –Lars Stroschen + André Ruschkowski LS+AR 5:27
4 –Jörg Thomasius + André Ruschkowski + Lars Stroschen JT+AR+LS 5:49
5 –André Ruschkowski AR 6:22
6 –André Ruschkowski + Jörg Thomasius AR+JT 4:25
7 –André Ruschkowski + Lars Stroschen + Jörg Thomasius AR+LS+JT 5:14
8 –Jörg Thomasius + Lars Stroschen JT+LS 5:26
9 –Jörg Thomasius JT 5:26
10 –Lars Stroschen + Jörg Thomasius + André Ruschkowski Akonie 1     13:02
Synthesizer [EMS AKS] – Jörg Thomasius
Synthesizer [Korg MS20] – Jörg Thomasius
Synthesizer [Multimoog] – Lars Stroschen


FLAC

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Sunday, 10 July 2016

ELIANE RADIGUE - Σ = a = b = a + b (NOT ON LABEL, 2 × Vinyl, 7", Limited Edition, 1969) (MP3 320)


Ya hablamos de esta pionera del medio musical electrónico en su día, cuando dedicamos un especial de ELECTRONIC ORGY a las mujeres que habían trabajado en este medio. No está de más que repasemos su bio:

ELIANE RADIGUE (París, 24 de enero de 1932), es una compositora francesa de música electrónica, cuyo trabajo, desde principios de la década de 1970, se ha creado casi exclusivamente con un solo sintetizador, el sistema modular ARP 2500.

Nacida y criada en París por una familia de clase media, se casó con el escultor Arman con quien vivíó en Niza, mientras criaba a sus tres hijos. Había estudiado piano y ya había compuesto algunas obras cuando escuchó por vez primera una emisión en la radio de una pieza de uno de los padres fundadores de la música concreta, PIERRE SCHAEFFER. Poco después, en los años 50, se reunió con él y se convirtió en una de sus alumnas y trabajó de manera periódica, durante sus estancias en París, en el «Studio d’Essai». Durante la década de 1960 fue asistente de PIERRE HENRY, periodo durante el cual creó algunos de los sonidos que aparecen en su obra. Como su trabajo ganó en madurez, Schaeffer y Henry estimaron que su uso particular del micro, con largos bucles grabados de efecto Larsen, eran contrarios a sus ideales, pero su práctica singular permaneció todavía fuertemente influenciada por sus métodos.

Alrededor de 1970, se asentó en la Universidad de Nueva York, en un estudio que compartió con LAURIE SPIEGEL. Allí creó su primera música basada únicamente en el uso del sintetizador, un modelo BUCHLA prestado por MORTON SUBOTNIK.



Creados en París, los trabajos más valiosos de Eliane Radigue (producto de un sintetizador ARP, un micrófono y cintas magnéticas en loop) fueron elogiados a través de su carrera por su pureza y su contribución al reino de los trabajos sonoros. Llamados “de una verdadera originalidad”, sus paisajes sonoros comunican movimiento, cualidades espirituales, además de tener el poder de transportarte hasta lo más profundo del corazón de cada sonido.

Después de trabajar en varias universidades y estudios de música electrónica, Radigue viajó al Tibet en 1975 para explorar el budismo. En tanto que este movimiento interrumpió temporalmente su desarrollo creativo, en sus trabajos posteriores se puede escuchar el efecto del tiempo pasado en tal paz y quietud, a través del control y la disciplina utilizadas por los largos y meditativos zumbidos que ha utilizado desde entonces.

Pionera y visionaria musical desde que empezó a producir sus evocadores sonidos electrónicos en los sesenta, Eliane Radigue ha creado un singular, poderoso y único trabajo.

Hoy os presento uno de sus primeros trabajos, trabajado con un A.R.P. 2500, grabado en 1969 en formato doble single, dividido en cuatro pistas "Untitled" de unos 7 minutos cada una, editada por la propia Eliane y en una tirada de 200 copias numeradas a mano. En la contraportada reza la siguiente información:

Las caras A y B pueden ser controladas por separado o simultáneamente en síncrona o en asíncrona.

Las partes A y B de este registro pueden combinarse entre sí hasta el infinito a cualquier velocidad 78, 45, 33 o 16 RPM.


Se editaron 250 copias de este registro. 20 venían en una caja cerrada, dirigida por Farhi, a quien está dedicada la obra. Se firmaron y numeraron a mano 200 copias del 1 a 200.


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Thursday, 30 June 2016

CLARA ROCKMORE - THE ART OF THEREMIN (1977) & CLARA ROCKMORE'S LOST THEREMIN ALBUM (2006)


REPOSICIÓN DE ESTE MATERIAL ESENCIAL PARA UN BLOG COMO ÉSTE. 

Para una publicación como ésta, prefiero remitirme al erudito Pablo Freire, porque nadie mejor que él puede dar a conocer a este personaje tan fundamental en la historia de la Música Electrónica:

Clara Rockmore fue la primera virtuosa de la música de la era de la electrónica. Históricamente el mundo de la música ha sido siempre un feudo masculino, aspecto este que en el campo de la electrónica se ha visto más acrecentado si cabe, tal vez por la idea aparentemente más cientifista que difunde, y que sólo en épocas muy recientes ha sido abordado sin prejuicios de género.

Es por ello todavía más trascendente la aportación de Rockmore en los años 30. Considerada la mejor thereminista de todos los tiempos, no recibió ninguna clase de instrucción sobre como interpretar un instrumento nuevo como el theremin, sobre el que no existía ningún método de interpretación establecido. Clara supo encontrarlo y lo desarrolló hasta el punto de convertirlo en el modo clásico de interpretarlo. Desde entonces, y han sido muchos los intérpretes de theremin, ninguno ha logrado adoptar una pose tan elegante, de tal complicidad con el instrumento, de simbiosis instrumento-intérprete, hasta entonces una característica sólo reservada a pianistas o violinistas. Por vez primera un instrumento electrónico poseía características sonoras y estéticas que sólo tenían los instrumentos acústicos y por fin la música electrónica había encontrado a su primera gran dama, a su primera gran diva.




A mediados de los años 70 Clara ya sentía el peso de la edad, y quería dejar para la posteridad una grabación de su forma de interpretar el theremin. Aunque llevaba cuarenta años interpretando el theremin, jamás había realizado una grabación discográfica. En los años 50 había tenido conversaciones con Goddard Lieberson de Columbia Records, pero aunque éste reconocía que Clara tocaba de un modo maravilloso no existía demanda de discos de theremin, por consiguiente nunca se llevó a cabo una grabación.

En 1976, Robert Moog convenció a la diva para que realizara una serie de grabaciones del repertorio clásico que había estado interpretando durante más de 40 años con el theremin, acompañada de su hermana Nadia al piano. El subsiguiente LP apareció en 1977 bajo el título de The Art Of The Theremin, reeditado en disco compacto en 1987 (Delos 1014), que incluye textos en el libreto escritos por Robert Moog, que incluso ha afirmado que fue grabado suficiente material como para publicar un segundo álbum, que espera publicar en un futuro próximo. En este álbum se incluyen piezas de Tchaikovsky, Ravel, Rachmaninoff, Stravinsky, Achron o Manuel de Falla entre otros. Paralelamente a esa grabación sonora, se realizó otra en video en la que Clara Rockmore ofrecía una entrevista y mostraba su técnica con el theremin a lo largo de 58 minutos. El vídeo titulado Clara Rockmore. The Greatest Theremin Virtuosa, incluye una introducción realizada por Bob Moog, está producido por Big Briar, Inc y fue editado en 1998, tras el fallecimiento de la diva del theremin.

Tras estas grabaciones Clara Rockmore volvió a su plácida vida alejada de los escenarios, sólo interrumpida por el fallecimiento de su hermana Nadia en 1983 a los 79 años.

Con la vejez, los hechos del pasado de reviven más vivamente. Clara Rockmore deseaba reencontrarse con Termen nuevamente. Su siguiente encuentro se produjo en septiembre de 1991, cuando Lev Termen fue invitado por el compositor y creador de la síntesis en modulación de frecuencia (FM), John Chowning del CCRMA (Center for Computer Research in Music and Acoustics), de la Stanford University a los Estados Unidos. En este encuentro, Clara recibió a Termen en su apartamento de estilo Art Déco de la Calle 57, donde tocó para él y conversaron mientras tomaban té. Este viaje vino también propiciado por el cineasta neoyorquino Steve M. Martin. En 1990 había estado en Moscú filmando exteriores y al propio Lev Termen en su apartamento rememorando hechos del pasado, pero para completar su documental sobre la vida del inventor necesitaba que Termen viajara a Estados Unidos. Finalmente se consiguió un visado por parte de las autoridades soviéticas y se pudo hacer realidad el sueño de Clara, de Moog y de muchos otros.




El 3 de noviembre de 1993 falleció en Moscú a los 97 años de edad Lev Sergeyevich Termen. Sólo un día antes, el director Steve M. Martin había finalizado su documental Theremin: An Electronic Odyssey, que narra la azarosa vida del inventor, los años que residió en Estados Unidos y su relación musical y personal con Clara Rockmore.

El domingo 10 de mayo de 1998 a la edad de 88 años y a causa de las complicaciones derivadas de una apoplejía, fallecía Clara Rockmore, la gran virtuosa, la gran diva del instrumento electrónico más famoso de todos los tiempos.

De forma póstuma, en el 2006 se editó este segundo álbum con canciones que había grabado en vida Clara Rockmore y que no fueron incluidas en el LP de 1977.




Podeis conocer más datos acerca de esta insigne figura del medio musical electrónico en la página de Pablo Freire "AUDIONAUTAS": http://www.audionautas.com/2011/01/clara-rockmore-la-diva-del-eter-i.html


THE ART OF THEREMIN:

CLARA ROCKMORE'S LOST THEREMIN ALBUM:




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